我對日本導演的認識可以分為三個階段。第壹階段是黑澤明階段。日本有很多著名的導演，比如小津安二郎和渚島，但我第壹次見到黑澤明。我看到他的第壹部電影不是著名的影武者，也不是羅生門，而是後來的夢。電影講述了幾個不同的夢，其中壹個是關於日本的核電站。說的是日本核電站泄漏，整個島變成了壹片焦土，只剩下幾個人在毒霧和廢墟上講述最後的故事。當時看到的時候，覺得好難過好慘，印象深刻。直到那壹年，福島核電站發生泄漏事故。當我看到新聞時，我首先想到的是，“黑澤明的夢想實現了。”就這樣，壹部電影變成了預言。
第二階段是北野武階段。那些年，當我年少無知時，我欽佩北野武的殘忍和暴力。當時，在地下光盤經銷商手中，我發現了許多北野武電影。從猛男到花火，從大哥到索納塔，我最不喜歡看的就是《木二郎之夏》。當時我在看的時候，總是很期待裏面突然出現的暴力鏡頭，壹個都沒有，讓我很“失望”。後來我逐漸意識到，北野武最好的電影，除了《煙火》，就是《菊次郎之夏》。這是後話了，我當時也不懂。
當然，其他日本導演開始更多地關註北野武以外的地區，但當時他們中的大多數人都主張暴力。比如三池隆，比如深作欣二。尤其是深作欣二，對他的最後壹部作品《大逃亡》影響很大。現在很多遊戲都開啟了“大逃殺”的模式，可見其影響力。
第三階段是真正的是枝裕和階段。沒有暴力的殘酷，但妳可以從他的作品中更好地體會生活的殘酷。他總是在委婉地講故事，用溫暖的語氣，卻訴說著殘酷的現實。和別人不壹樣的是，他不習慣直接告訴別人這個世界有多痛苦。他經常描寫生活中的美，讓觀者體驗生活的艱辛和痛苦。它讓妳覺得很美，妳的笑容裏有淚水。
這是壹種非常巧妙的敘事手法。通過影射和側面描寫來思考和理解他的寓意，可以帶動人的主觀意識。這樣在藝術表現上更優秀，更有藝術感。
但往往大師的誕生不是壹蹴而就的。他的前幾部電影還是很壓抑的，色彩暗淡，充滿了冷酷和死亡。
從《魔光》原著中，妳可以感受到他冰冷而死氣沈沈的氣息，訴說著生活的無奈和痛苦是如此的壓抑。這部電影的節奏很慢，拍攝手法很像侯孝賢。後來，我知道是枝裕和是侯孝賢的粉絲。特別是影片結尾，人群長時間行走的固定長鏡頭，結合多雲的天空和灰冷的畫面，壹群身著黑衣的人排著隊在地平線上行走，幾乎和侯孝賢壹模壹樣，最後指出了神奇的光芒。可能好表達的高手都喜歡用，可能誰長得像誰也不好說。
到了下壹部電影《下壹站，天堂》的時候，還是照常描述死亡，只是畫面開始看起來很美，但它的主色調還是黑白。訴說並沒有那麽壓抑。看得出來導演還在摸索，努力尋找自己的，更好的表達方式。但是我們看到了壹些他自己風格的東西在裏面，比如對演員自然表情的捕捉，影射的方式等等。
後來，他在《距離》中使用了更多的顏色。整個畫面不再以黑白為主，這次更多的是綠色。似乎所有偉大的導演都喜歡用自己喜歡的顏色，比如賈喜歡用綠色，張藝謀喜歡用紅色，喜歡用藍色，有綠色三部曲，基耶什洛夫斯基幹脆用顏色給作品命名。
是枝裕和也不例外。他的距離使用了大量的綠色。不僅是在森林裏拍攝，就連森林小屋的窗簾都是綠色的，整部電影的顏色都很綠。綠色代表生命，《距離》講述了日本邪教組織謀殺生命的故事，說明這些都不是偶然的。
直到《無名小卒》的出現，是枝裕和自己的風格才完全形成。
《無人知曉》可以說是是枝裕和最重要的作品之壹。畫面色彩的飽和度已經很漂亮了。神秘的綠色還是底色，畫面看起來有點消極。紅色和橙色的大量使用讓影片充滿了溫暖。
固定座位的長鏡頭少了，取而代之的是跟隨孩子步伐的移動鏡頭，特寫捕捉到了孩子微妙的情緒變化，非常細膩。
最出彩的地方是導演對那些孩子表演的捕捉。很難看到哪個孩子能表演的如此自然簡單，情緒的表達如此到位，仿佛自己就是那個被遺棄的孩子，難得。
據導演自己說，當時在拍哥哥傅誌明去找弟弟的那場戲的時候，並沒有告訴他們在拍。結果他們兩個就成了真的。哥哥最後生氣地把弟弟的玩具踢開了，這讓兩個孩子很不高興。弟弟擔心哥哥會生氣，哥哥會因為弟弟不聽話而生氣。兩人都把對方當成自己的兄弟，當成壹家人，完全入戲了。
導演事後後悔了。我就怕兩個人會有感情上的隔閡，不過還好後來又復合了，這讓導演很安心。
男主角柳樂優彌憑借該片獲得第57屆戛納最佳男主角。當時他只有14歲，是戛納最年輕的最佳男演員。
影片內容講述了四個被母親遺棄的孩子的故事，取材於東京棄兒的真實事件。改編真實事件是是枝裕和電影的另壹個特點。像之前說的遠方，後來的父如子，還有去年金棕櫚的賊家。
這部電影的敘事風格是典型的是枝裕和風格。隨著劇情的發展，事件的真相壹點壹點被揭示，讓觀眾自己去建構還原的故事。因為觀眾不壹樣，每個人的心不壹樣，對故事的理解也不壹樣，所以個人感受也會不壹樣。但情感是始終如壹的，真實的情感總能打動人。
直到最小的孩子死去，四個被遺棄的孩子都不知道他們的存在，他們偷偷把她埋了，世界上也沒有人知道這件事。是枝裕和，他會說什麽？說這個世界很殘酷？人生無奈痛苦？毫無疑問，他的敘事風格是溫暖的。越是溫暖美好的地方，越能讓人體會到生活的痛苦。
所以電影拍出來了，大家已經知道孩子的事了。可以說沒人知道嗎？那我們換個角度想想。人們知道孩子們的痛苦經歷和他們的苦難。人都知道，但又有多少人知道自己的幸福和美好呢？
即使是最痛苦的生活，也有美好的瞬間。當妳感受到生活的痛苦時，妳也能感受到生活的快樂。雖然快樂是短暫的，痛苦是長久的，但是越短暫的美好越珍貴，不是嗎？在感嘆人生痛苦的同時，也要珍惜來之不易的美好。
所以，電影裏每當孩子開心的時候，總會有歡樂的音樂，而在他們痛苦的時候卻沒有音樂。生活越艱難，我們越要意識到幸福和美好來之不易，要自強不息。
後來的《奇跡》《壹條海街的日記》《比海還深》《走個不停》《有其父必有其子》《賊家最美》，都很優秀。
是枝裕和的新作《小偷家族》去年在戛納贏得了金棕櫚獎。影片延續了是枝裕和壹貫的風格，色彩絢麗，色彩飽和度最高。負片的感覺還是老樣子，敘事方式還是循序漸進，壹點點說實話。
我壹直想知道為什麽這部電影獲得金棕櫚獎。總比沒人知道好吧？我看不出這有什麽好的。我個人認為《無人知曉》仍然是是枝裕和最好的電影。
電影改編自真實事件，講述了壹個臨時家庭和大家壹起生活的故事。
這個家庭的成員都是被原生家庭拋棄虐待的，他們都走到了壹起，互相報名取暖，組成了壹個家庭。而且這個家庭明顯比原來的家庭更溫暖，更好。但這樣的家庭，在正常的社會裏，只能靠偷盜為生，無法過上“正常”的生活。
看著他們不道德卻溫暖的生活，我覺得比那些血緣關系組成的家庭要溫暖和諧得多。為什麽？什麽樣的家庭才是比較好的家庭？
很明顯，他們的“生活”方式是不被這個社會認可的，也沒有善惡和倫理之分。他說的是這樣壹個家庭的美好還是這個世界的醜惡？看起來很迷惑，很混亂。
電影的最後，被賊家“收養”的小女孩回到了對她不好的血親身邊。她未來的生活可想而知。也許這就是人們善良的最終結果，有種莫名的荒謬感。
當我看到小偷的家人時，我明白了為什麽戛納電影節給他金棕櫚獎。《離騷》說:“分武既有內在美，又有修養。”王國維《人間詞話》說:“詞，兩者缺壹不可……”這不僅限於文字，也包括藝術作品..
縱觀其他入圍作品，無論是的《燃情》還是賈的《江湖兒女》，兩者都乏善可陳。只是《賊家》沒有那麽詩意，也沒有賈那麽理性。同時散發著內在美，深入挖掘人類更深層次的內涵。所以他能拿這個獎是實至名歸的。
今年3月，《大盜》也將角逐奧斯卡。有了它，我看到了墨西哥三大導演之壹的阿方索·卡隆的新作《羅馬》。真的很好，也不知道會怎麽樣。我們將看看評委們是傾向於卡隆還是是枝裕和。
在是枝裕和的電影中，關於家庭的電影無疑是最好的。但是，也有壹些電影，和家庭沒有直接關系，但也和家庭有關系。
像2017的《第三嫌疑人》，雖然是犯罪電影，但也離不開壹個家庭。敘述的方法仍然是是枝裕和慣用的方法，直到最後真相慢慢浮出水面，令人不寒而栗。現實太殘酷了。只有這樣表達，才能讓人不覺得殘忍。但不直接表達更殘忍，讓人聯想。這裏先不說劇情。感興趣的朋友，自己去看看吧。
空氣娃娃是壹部精彩的電影。裴鬥娜飾演的充氣娃娃活靈活現，從不同的角度展現了人的世界。因為電影中的裸拍太多，百度雲資源已經被屏蔽，有興趣的朋友可以去網上找，這裏就不多介紹了。
是枝裕和確實有自己的藝術風格，這是壹個大師應該有的樣子，也是應該有的樣子。他在自己的散文集《像走路的速度》中寫道，“罪比因無知而無所作為的人更重。”他無疑是在努力去做，而且做比只是說不更有價值，所以，他的作品裏總是充滿了那種深沈的人文關懷的理由。
侯孝賢老了，還沈浸在自己的詩歌裏，賈再也找不到當年“故鄉三部曲”的感覺。只有是枝裕和像壹個行走的速度，緩緩前行，以藝術家的敏感品味著這個世界。