想知道什麽是動漫，不妨從“動漫”壹詞的由來說起。
卡通是英文“卡通”的中文音譯。關於這個詞的詞源，有兩種不同的觀點:壹種認為它來源於法語單詞“carton”；第二是它來源於意大利語“卡通”(cardboard)。
從漫畫的詞源上，我們可以確切地知道漫畫作為壹種藝術形式起源於歐洲。在近代歐洲，有兩個重要的歷史條件推動了漫畫的產生:壹是資本主義的發展壯大了市民階層的力量，導致社會結構發生重大變化。其次，自文藝復興以來，自由開放的藝術理念被社會所接受。這兩個條件的相互作用，使傳統繪畫走下了中世紀的神壇，並日益接近普通人的審美趨向，這就為具有簡單性和復雜性的卡通繪畫提供了社會基礎。同時，作為公民表達自身訴求的壹種手段，漫畫也被賦予了更廣泛的政治內涵。
在17世紀的荷蘭，畫家的作品中第壹次出現了帶有卡通誇張的素描軸。以法國人杜米埃(1808 ~ 1879)為代表的諷刺漫畫家，將政治漫畫發展到了藝術的高度。時至今日，政治漫畫仍然是西方流行文化的重要組成部分。
英國在動漫藝術史上有著非常重要的地位，眾所周知，英國是最早建立現代議會民主制的國家，也是最早進入工業革命的國家之壹。民主政治的建立保障了人民的言論和出版自由，為漫畫藝術的發展提供了社會基礎；工業革命的興起引發了報紙出版業的繁榮，為漫畫藝術的發展提供了物質保障。
早在17年底，英國報紙上就有很多類似漫畫的幽默插畫，但由於缺乏專職畫師和固定的藝術風格，並不是真正的漫畫。隨著新聞出版業的繁榮，到18世紀初，出現了專職的漫畫畫家，英國漫畫的風格逐漸定型。與同時期歐洲大陸的幽默漫畫相比，英國漫畫更立足於社會習俗，善於幽默和暗示。
這壹時期在比利時比較有影響的漫畫畫家有威廉·霍加斯(1697 ~ 1764)、詹姆士·吉爾雷(1757 ~ 1816)、托馬斯·羅蘭森(1756 ~)。其中，霍加斯的代表作有《浪子回頭》和《哈羅德遊記》，而羅蘭森主要寫的是《辛塔克斯博士的人生旅行》。值得壹提的是，霍加斯等人的作品不再是傳統的單幅畫作，而是發展成了壹系列相互關聯的畫作，具有了漫畫的雛形。
1841年，著名的《潘趣畫報》在倫敦創刊。這本著名的幽默雜誌在漫畫發展史上占有突出的地位。事實上，正是這份刊物的撰稿人、著名畫家約翰·裏奇和編輯馬克·盧蒙首次正式將幽默漫畫命名為“卡通”。同時，這份刊物也是傳統漫畫向漫畫過渡的重要橋梁。在早期的《笨手笨腳》畫報上，已經連載了很多類似漫畫概念的作品。約翰·裏奇繪制的《布裏克先生的冒險》有許多漫畫的元素。
19世紀末，彩色印刷的出現引發了出版業的壹場革命。相應地，彩色漫畫開始出現在人們的視野中。
1901年，著名出版商哈姆斯·沃斯在收購多家雜誌的基礎上，創辦了聯合出版公司(簡稱AP)，先後出版了《精靈》、《水泡》、《微笑》、《彩虹》、《老虎蒂姆》、《叢林嘉年華》。另壹家出版社亨德森也出版了《趣味無窮》(1906)、《漫畫世界》(1909)、《機智語》(1910)、《火花》(1965438+)。其他如leps & Holmes公司出版的《煙火》和Pearson出版的《Grand Journal》都不同程度地參與了彩色漫畫的出版發行。這壹時期，英國漫畫期刊的壹個重要變化是，期刊的讀者逐漸從成人轉向兒童和青少年。AP公司是這壹趨勢的最大受益者。他們成功推出了“蒂姆老虎”的卡通形象，使其成為孩子們喜愛的卡通明星。其姊妹作品《熊娃娃》也取得了不錯的銷售業績。此外，《老虎蒂姆》的作者之壹福克斯·韋爾(Fox Weir)還為小虎隊·吉莉和《河馬小姐》等女孩創作過漫畫。
相對於政治漫畫和漫畫，漫畫的發展似乎更加傳奇。如前所述，動畫藝術是現代影視藝術的重要組成部分，然而在動畫和電影的“史前階段”，二者是壹體的。直到攝影術的發明，電影和動畫才開始分道揚鑣。
1895年，法國盧米埃爾兄弟首次向公眾展示了他們的“電影機器”，放映了《火車進站》《海水花園》等電影。現代電影誕生了。然而，第壹部動畫電影在十年後上映。部分原因是動畫片制作成本高。時至今日，動漫仍然是壹種需要高投入的文化產品。
1906年，在愛迪生實驗室工作的J·斯圖亞特·勃拉克頓制作了《滑稽面孔》的幽默相，這也是世界上第壹部動畫電影。從那時起，來自法國的埃米爾·科爾進壹步提高了他的卡通拍攝技巧，並制作了250多部動畫短片。同時，他也是第壹個用銀幕攝影的方法將動畫與現實生活表演結合起來的先驅。正是因為科爾對動畫發展的傑出貢獻，他也被譽為當代動畫之父。
另壹個對早期動畫發展有重要影響的美國人是溫索爾·麥凱。他出生在美國密歇根州。早年，他靠為馬戲團和受歡迎的劇團畫海報謀生。後來，他成了壹名報社記者和漫畫專欄作家。1914年，麥凱發布了壹部故事漫畫《恐龍葛蒂》。這部漫畫的推出，改變了之前動畫作品中純粹的藝術化傾向，將故事、人物、真人表演組織成互動的劇情，取得了相當不錯的效果。格蒂，壹只天真的恐龍，已經成為著名的卡通明星。繼《恐龍葛蒂》之後，麥凱拍攝了《魯斯塔尼亞號的沈沒》。這是第壹部由動畫制作的紀錄片。
溫索爾·麥凱的成功具有象征意義。他基於自己作為漫畫家的素養和積累，開創了壹種重視人物塑造、故事結構和大眾趣味的動畫創作新模式。麥凱之後，美國動畫師開始走壹條與歐洲同行完全不同的道路。壹個屬於新世界的動漫時代即將到來。
黃金時代的卡通帝國
20世紀上半葉，美國動漫藝術的發展水平處於世界領先地位。毫無疑問，這種領先是全方位的。
早在1840年，波士頓的DC·約翰斯頓公司就出版了壹本名為《克裏斯帕》的壹頁畫報，這可能是美國最早的漫畫作品。此後，隨著歐洲移民的不斷湧入，原本風靡歐洲的漫畫藝術也開始登陸美國。
1880美國報業大亨普利策在他的《紐約世界報》上增加了壹期周日特刊，並在其中加入了漫畫專欄。此後不久，另壹家報業巨頭赫斯特公司開始在自己的刊物《紐約雜誌》和《美國幽默大師》上定期刊登漫畫。這意味著漫畫在增加報刊發行量方面的作用已經被廣泛認可。上述兩大報業部門的強勢介入，無疑給美國動畫片註入了壹針生長促進劑，從此美國動畫片的發展進入了快車道。
從65438年到0895年，由著名漫畫家R.F.Outcault創作的系列漫畫《黃種人的孩子》開始在普利策創辦的《紐約世界》上發表。但沒過多久，奧特考特就帶著“黃種人”去了赫斯特旗下的《紐約日報》。黃種兒童系列的原名叫《霍根的巷子》,故事的主角是壹個名叫“米奇·杜根”的孩子，六七歲，穿著臟兮兮的睡衣，頭很大。其實這件睡衣壹開始就是藍色的。到了1896年，由於壹項新技術的應用，人們可以很容易地把紙染成黃色，杜根也換上了黃色的衣服。後來，Outcault加入了漫畫中主角的對話，讓大家更容易理解故事的主題。這也讓黃種孩子成為了名副其實的漫畫。因為“黃種孩子”的形象已經深入人心，精明的商人基於這個形象開發了大量關於“黃種孩子”的周邊產品，包括玩具、雕像、廣告海報等等。雖然《黃種人的孩子》幾經波折，但在第壹次出現後的第七年，也就是1902年，《黃種人的孩子》系列終於出版了。需要指出的是，《黃種人》的成功不僅推動了美國動畫片的發展，也為漫畫作品的商業化運作提供了經典範式。
整個20世紀初，漫畫壹直在尋找與美國文化的交集。在這個過程中，產生了許多優秀的作品和令人難忘的卡通形象。然而，直到20世紀30年代初，美國動畫片的黃金時代才真正到來。
對於“黃金時代”，有這樣壹段精辟的描述:美國漫畫的黃金時代，是超級英雄在廉價畫報上胡作非為的時代。眾所周知，這壹時期產生了很多超級英雄形象，比如超人、蝙蝠俠、閃電俠、水族俠等等。這些超級英雄的共同特點是擁有健美運動員的身材和常人無法擁有的超能力，不斷戰勝邪惡強大的敵人，拯救世界。其中超人和蝙蝠俠大概是最有代表性和影響力的。
超人的主角是克拉克，壹個來自氪星的擁有超能力的外星人。當他還是個嬰兒時，他乘坐宇宙飛船從氪星來到地球，被善良的肯特家收養。長大後，他開始發現自己擁有地球人沒有的超能力。為了隱藏自己的身份，克拉克從壹個偏僻的小鎮來到大都市，在《星球日報》做編輯，從而結識了年輕漂亮的女記者路易斯。從此以後，每當城市的安全和秩序受到惡勢力的威脅時，總會有壹個穿著鬥篷和緊身衣的飛行英雄及時出現，拯救那些陷入危機的人。但是，大多數情況下，超人的主要任務是靠英雄拯救美國。
超人系列首先發表在《COMICS行動》的第壹期，並迅速在美國流行起來。1939 65438+10月16，超人開始在報紙上連載。到1941，每天有300多家報紙連載超人漫畫。而以“超人”為主題的漫畫、電影、電視劇在接下來的半個世紀裏層出不窮。毫不誇張地說，“超人”已經成為壹個時代的象征。
幾乎在超人成功的同時，“黃金時代”的另壹位超級英雄蝙蝠俠也進入了人們的視線。
蝙蝠俠，原名昆布西，出身顯赫的富豪家庭。在他很小的時候，他的父母被歹徒殺害，所以他成了孤兒，由壹個管家撫養。長大後，他發誓要為鏟除邪惡而戰。結果他變成了壹個穿著蝙蝠裝的假面英雄。消除暴力，懲罰逃避法律制裁的人，是他最重要的使命。
蝙蝠俠的故事最早出現在第27期的《COMICS偵探》中。相比超人，蝙蝠俠是壹個沒有超能力的普通人，這就是他的魅力所在。蝙蝠俠對抗邪惡的主要工具是各種科技發明，其中最著名的就是萬能蝙蝠戰車。
在黃金時代的眾多超級英雄中，神奇女俠可以說是壹個“另類”。這不僅是因為它打破了男性對超級英雄形象的壟斷，更重要的是，她的出現徹底重構了漫畫世界中的性別秩序，讓女性角色不再只是男性英雄的附庸，而是真正成為了主導故事的主角。因此，當《神奇女俠》系列在1941年底在《全明星COMICS》上發表時，受到了眾多女性讀者的熱烈歡迎。
漫畫英雄的出現絕非偶然。其實是漫畫藝術與美國文化碰撞的必然結果。美國文化的核心就是所謂的個人主義。這是壹種崇尚個人奮鬥，強調優先保護個人利益的文化。在這種文化背景下，特別是當20世紀30年代的大蕭條和二戰給美國社會帶來嚴重沖擊時，人們欣賞並渴望“救世主”式的超級英雄，並將其視為希望和力量的象征。因為現實世界中沒有這樣的人物，所以人們轉向虛構的世界尋求精神寄托。
第二次世界大戰期間，美國的社會經濟沒有被戰爭拖垮，反而獲得了前所未有的發展和壯大。戰爭激發的愛國主義成為當時美國文化的主流。於是，漫畫中的超級英雄們也紛紛投身於保衛國家，對抗納粹。《黃金時代》也達到了巔峰。
隨著動畫片在美國社會的影響力越來越大，美國動畫片的發展也逐漸多元化，出現了教育動畫片、科學動畫片、西部動畫片等新題材。與此同時，盲目追求利潤最大化的商業炒作，使得美國漫畫中的暴力、色情等負面因素激增，壹些漫畫刊物甚至赫然標著“不適合兒童觀看”。於是，動漫產業成為眾矢之的，並最終導致了“黃金時代”的衰落。
1945年春天，弗雷德裏克·魏斯曼博士的《勾引天真》壹書出版了。魏斯曼博士是當時社會上有影響的知識分子，也是政界知名人物。他始終認為“充滿暴力和黑暗內容的漫畫是青少年犯罪和社會混亂的根源”。雖然事後調查表明，魏斯曼博士的大部分論點都是沒有根據的，但這本書的出版迎合了當時主流輿論對漫畫行業的廣泛批評，因此立即得到了社會各界的支持和肯定。壹時間，漫畫成了超級禁書，人們常常以談論毒品的口吻談論漫畫。
1954年4月，美國參議院青少年犯罪調查委員會就漫畫對青少年的影響舉行公開聽證會，魏斯曼博士作為證人出席。他聲稱:漫畫是玷汙兒童純真，造成青少年犯罪的罪魁禍首。相比漫畫，希特勒只是小兒科。孩子們從四歲起就經常受到卡通片的毒害。他甚至要求立即禁止銷售漫畫。
雖然聽證會未能得出明確結論，但參議院最終要求出臺審查標準，刪除漫畫中所有可能毒害青少年、敗壞道德的內容。這在輿論上其實是“黃金時代”的死刑判決。參議院聽證會後不久，漫畫出版商於10月26日1954成立了“全國漫畫雜誌聯合會”，並制定了“聯合會內部檢查標準”，還要求在此後出版的漫畫封面上明確註明限制條件。
這無疑是對美國漫畫界影響深遠的事件。因為這個有點矯枉過正的標準，暢銷的恐怖和黑幫漫畫幾乎銷聲匿跡；西部漫畫中的牛仔也不得不大大收斂，肉搏戰、槍戰場面明顯減少；就連搞笑動物漫畫裏的“暴力”行為也變得膽小了。許多出版社和漫畫書因為發行量銳減而破產，大多數職業漫畫家迫於生計壓力不得不轉行。當然，像《美國隊長》的作者喬·西蒙這樣的青少年漫畫作家曾經很受歡迎，因為沒有超級英雄。但是，總的來說，美國連環畫行業因此受到了極大的損害。雖然後來有所恢復，但未能重振昔日輝煌。
與美國動漫產業的曲折發展相比，美國動漫產業始終保持著強勁的發展勢頭。回顧這段歷史，我們不能不提到華特·迪士尼和他的迪士尼公司。
其實在華特·迪士尼之前，美國有很多優秀的動畫師，但作為後來者，真正推動美國動畫產業躍進的是沃爾特。因此，我們有充分的理由認為“華特·迪士尼是動畫史上的第壹位大師”。
1923年，22歲的華特·迪士尼告別家鄉堪薩斯州，前往好萊塢尋求發展。當時好萊塢是壹片創業的熱土，而此時電影還處於默片階段，動畫片只是電影開拍前的壹個趣味節目。在那裏，他白手起家，僅用3200美元註冊了迪士尼兄弟動畫公司。在沃爾特來到好萊塢的那壹年，他完成了自己的第壹部動畫作品——《卡通國度裏的愛麗絲》，這是壹部由真人和動畫角色共同表演的無聲動畫片。
在好萊塢的最初幾年，迪士尼和他的公司逐漸站穩了腳跟，但在1927年，沃爾特遭受了他職業生涯中的第壹次沈重打擊。這壹年，他創作的第壹個受歡迎的卡通人物“幸運兔幸運兔奧斯華”被出版公司騙走，公司幾乎陷入絕境。憤怒而無助的迪士尼踏上了返回家鄉堪薩斯州的火車。然而，就在這次回家的旅途中，壹只活潑可愛的小老鼠出現在了沃爾特的腦海裏。後來，沃爾特的妻子給這部全新的漫畫起了壹個響亮的名字“米老鼠”!這就是米老鼠，壹個將來會聞名全世界，受到各國小朋友喜愛的卡通明星。
米老鼠的出現無疑給迪士尼提供了壹筆巨大的無形資產。然而，為了讓米奇和他的夥伴們成為受歡迎的超級巨星，迪士尼還必須有壹個新穎的制作理念。新概念的核心是重視劇情的設計和不斷創新。
在迪士尼之前，動畫片作為普通電影放映前的緩沖節目，往往只註重視覺效果，很少關註故事線的安排。而迪士尼的米老鼠系列，在制作初期就對作品的劇情進行了精心的安排，使得七八分鐘的短片非常吸引人。再加上制作精良的畫面，迪士尼的漫畫壹下子甩了幾乎所有的競爭對手。
除了先進的創意，對創新的敏感是迪士尼的另壹張王牌。20世紀20年代中後期，電影告別了默片時代，有聲電影的出現引發了整個電影業的革命。沃爾特敏銳地意識到變化的來臨，開始嘗試制作有聲動畫片。1928 165438+10月18作為電影史上第壹部視聽動畫電影，《汽船威利號》在紐約殖民劇院隆重首映，獲得巨大成功。1932年，迪士尼發行了第壹幅彩色卡通《花和樹》。除了預期的轟動效應，它還為迪士尼贏得了奧斯卡最佳動畫短片獎。五年後，1937，迪士尼第壹部全動畫卡通劇《白雪公主和七個小矮人》上映。這是壹部劃時代的漫畫，具有裏程碑的意義。由於這部作品在商業上的巨大成功，迪士尼的制作計劃開始向故事片傾斜。隨後，1940年，迪士尼公司相繼上映了《匹諾曹》和《幻想曲》兩部動畫長片。其中《幻想曲》被視為現代動畫的經典之作，自開播以來廣受好評。隨著新作的不斷發布，迪士尼的動漫明星陣容也在不斷擴大。除了米老鼠，米妮、布魯托、高菲和唐老鴨等新形象也出現在迪士尼的漫畫中。隨著優秀作品和卡通明星的出現，迪士尼終於在20世紀40年代初確立了其在卡通帝國中的統治地位。
對於整個美國動畫產業來說，迪士尼的成功有著巨大的示範和推動作用。由於動畫市場的擴大，許多新的動畫公司如雨後春筍般成立。此時的好萊塢已經成為美國乃至世界動畫產業的中心。範博倫工作室就是這些新興動畫公司中的壹員，壹批優秀的年輕動畫人也聚集在他的旗幟下。20世紀30年代末，這家公司推出了著名的系列動畫片《湯姆和傑瑞》，並大獲成功。另壹個有影響力的動畫制作機構是華納工作室在1934創立的動畫部門。其主要作品包括:小豬和豆子、達菲鴨、兔八哥等系列漫畫。就像迪士尼的米老鼠壹樣，他們是著名的卡通明星。
然而，在迪士尼輝煌成功的同時，危機也在悄然孕育。迪士尼公司在成立之初，就以藝術和創作為信條，招募了壹大批壹流的動畫人才。但隨著公司的不斷發展，迪士尼的藝術風格逐漸固定，迎合觀眾和市場的需求成為節目制作的基礎和前提。更重要的是，迪士尼員工越來越覺得公司的繁榮並沒有給他們帶來預期的收入增長，不滿情緒已經開始在迪士尼內部蔓延。20世紀40年代初，迪士尼公司旗下的動畫師開始籌備成立工會，希望與公司高層對抗，爭取更高的報酬。但高層的態度似乎比預想的更強硬，這也引發了壹場曠日持久的“口水戰”。最後很多公司的業務骨幹憤然離開，合夥成立了〈美國聯合制作公司(UPA)。
盡管經歷了許多曲折，華特·迪士尼和他的公司仍然是那個時代無可辯駁的成功。如今的迪士尼已經成為壹個世界性的“娛樂王國”，這也從另壹個角度證明了華爾特的理想和成功是超越時代的。
總之，在這壹時期，美國的動漫產業和動畫產業都取得了長足的進步。值得註意的是，在這壹發展過程中，圍繞動漫產品，美國的娛樂業形成了完整的商業運營體系，實現了動漫發展的良性循環。也正是在這個基礎上，“美國漫畫”得以實現全球擴張，成為壹股不可忽視的文化力量。
二戰前後，盡管歐美動漫產品仍占據世界動漫市場的主流，但由於經濟社會和流行文化的變化，動漫藝術在全球範圍內的發展也呈現出前所未有的全方位、多元化發展趨勢。不可否認，新壹波動漫產業正在興起，並將席卷全球。
在美國漫畫走上商業化道路的同時，歐洲的漫畫家和動畫師似乎還在堅守著他們固有的藝術理念。但即便如此，這壹時期也不乏經典的歐洲漫畫。
在德國，這壹時期出現了壹位具有世界影響力的漫畫家，埃爾-歐-布勞恩。布勞恩原名埃裏斯·歐塞爾，出生於薩克森的壹個偏遠小鎮。後來，由於工作變動，Erisi的父親和他的家人搬到了Fortgrant Mountains的首府Braun。而Erisi之所以用“布勞恩”作為筆名，是出於對這座城市的懷念。從1921到1933，埃裏斯以畫家的身份發表了大量的卡通畫，還為自己的密友、作家埃裏斯·卡斯特納的多幅作品繪制插圖。然而，隨著納粹黨的上臺，德國的社會和政治氣候迅速向右轉。不滿納粹黨的倒行逆施，埃裏斯創作了壹些以納粹黨為諷刺對象的漫畫，引起了納粹頭目約瑟-戈培爾等人的嫉妒。Erisi的漫畫壹度被禁。
後來，因為《柏林畫報》需要壹個能畫連載漫畫的畫家，負責此事的著名作家、出版商、編輯庫爾特·庫森伯格博士找到了埃裏希·歐塞爾，希望他能承擔這項工作。最後，由於《柏林畫報》的積極幹預，納粹當局解除了對埃裏希的禁令，但附加了壹系列苛刻的審查條件，絕對禁止他的作品中有任何政治內容。
盡管如此，Erisi還是完成了從1934到1937的200多套作品，也就是著名的系列漫畫《父與子》。在法西斯橫行的年代，這套漫畫就像是人性的綠洲，成為德國人民面對殘酷現實生活時最好的精神慰藉，從而贏得了很多人的喜愛。父子被視為德國幽默的象征，其受歡迎程度很快就跨越了國界。
1929年，比利時漫畫家埃爾熱開始創作《丁丁歷險記》系列。從那時起直到艾爾熱死於1983年3月，《丁丁歷險記》已經完成了二十多卷。1986年，作為艾爾熱生前未能完成的最後壹部作品，《丁丁與阿爾法藝術》出版，丁丁系列結束。評論界普遍認為丁丁系列的成功應歸功於作者充分註意故事主線與現實背景的有機結合，因此艾爾熱也被稱為“漫畫記者”。無論如何，由於結合了紀實風格和幽默的創作元素，丁丁系列成為了漫畫史上最傑出的作品之壹，艾爾熱也因此進入了漫畫大師的行列。
當美國動畫師在享受“黃金時代”的時候，歐洲動畫師還在執著於實驗和藝術化的道路。這從他們對同步聲音技術的應用就可以看出來。在美國，人物的聲音主要用來表現人物的特點和個性；而在歐洲，音效是作為實驗的“素材”。事實上，歐洲的動畫師幾乎已經將動畫片中畫面和音效的配合發揮到了極致。這些有益的嘗試和探索極大地豐富了動畫片的表現手法，促進了動畫藝術的發展和進步，但動畫畢竟是壹種需要高投入的文化產品，沒有完整產業鏈的支撐，很難做出壹部佳作。隨著美國動畫片的大規模進入，歐洲的實驗動畫逐漸衰落。
也許沒有人會想到，二戰的爆發給了歐洲動畫產業壹個“回春”的機會。由於大戰的影響，原本連成壹體的世界動漫市場被分割成幾塊，客觀上刺激了各國動漫產業的獨立發展。與此同時，由於許多國家的政府都將動漫作為重要的戰爭動員和宣傳手段，政府投資扶持本國動漫產業發展的局面開始出現。
戰時的英國，新成立的“哈拉斯和巴切萊特”動畫公司受英國當局委托，制作了70多部動畫短片支持戰爭。這些短片在英國各地的電影院和劇院放映，對激發英國人民的鬥誌起到了積極的作用。類似的“戰爭動畫”在美國、日本等國家也有出現。戰後，雖然不再需要將動畫作為戰爭動員的手段，但它仍然是壹種重要的宣傳媒介，因此受到了政府和非政府組織的廣泛重視。作為壹種媒介，漫畫被用於公共關系、企業廣告、文化教育，甚至政治活動。這讓歐洲的動漫產業找到了新的支點。
相比西歐國家，東歐和前蘇聯的動漫產業雖然有點落後，但是有自己的風格和體系。亞歷山大·巴斯金和《布蘭帕格姐妹》是前蘇聯動畫產業的傑出代表。其中布蘭帕格姐姐在1925完成了《火起來的中國人》，為國內觀眾所熟知。雖然壹些西方評論家認為俄羅斯動畫片過於死板，但總體而言，前蘇聯的動畫人從其豐富的文化遺產中挖掘了大量優秀素材，拍攝了許多優秀的動畫作品。
我們回美國吧。“黃金時代”末期出現的多樣化風格被新壹代美國漫畫家繼承，產生了許多優秀的漫畫作品。
1950 10 2月2日，美國著名漫畫家查爾斯·舒爾茨開始出版他的《花生》系列。在接下來的50年裏，《花生》系列取得了前所未有的成功，被翻譯成21種語言，在75個國家的2600多家報紙上發表。這部漫畫的主角史努比已經成為壹名超級漫畫明星，自稱在全球擁有3.5億忠實讀者。《花生》的出現標誌著美國漫畫界新生力量的崛起。類似的成功故事包括吉姆·戴維斯和他的加菲貓系列。
不是全部，妳可以看這裏:
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這是網上的信息。妳可以看看。我非常喜歡卡通繪畫。我應該說我擅長這個。我平時喜歡漫畫。有不懂的可以問我，發消息給我。如果我不懂，大家壹起學習吧！彎曲
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