(1)20世紀30年代，電影開始了誕生前的技術準備期，也稱發明期。
早在1829年，比利時著名物理學家約瑟夫·普拉多(Joseph Prado)就發現，當壹個物體從人們眼前消失時，該物體的影像會在人們的視網膜上保留壹段時間。這壹發現被稱為“視覺暫留原理”。根據這壹原理，普拉多在1832年發明了“戲法盤”。“特技托盤”可以使畫在鋸齒形硬紙盒上的圖片因為運動而運動，也可以使生成的運動圖片在視覺上分解成各種圖像。“神秘圓盤”的出現，標誌著電影的發明進入了科學實驗階段。1834年，美國哈爾納的“可移動視頻光盤”實驗成功；1853年，奧地利將軍馮·烏切蒂奧斯在上述發明的基礎上，用幻燈放映的方式展示了原版漫畫。
攝影技術的進步是電影誕生的重要前提，也可以認為攝影技術的發展為電影的發明提供了必要的條件。早在1826年，法國W Nieps就成功拍攝了世界上第壹張照片《窗外的景象》，曝光時間為8小時。最初的銀盤攝影出現後，壹張照片被縮短到30分鐘左右。由於感光材料的不斷更新和使用，攝影時間也縮短了。1840拍壹張照片只要20分鐘，1851年。濕酊劑主做出來後，射擊速度縮短到1秒。這時，“移動照片”的拍攝已經在克勞地、杜博斯克等人的實驗性拍攝中獲得成功。從1872到1878，美國舊金山的攝影師愛德華·邁布裏奇(Edward Muybridge)用24臺相機拍攝了奔馬的照片。經過六年多無數次的拍攝實驗，他終於成功了，然後他成功地在幻燈片上展示出來。就是我在屏幕上看到了馬在跑。受此啟發，1882年，法國生理學家馬累改進了連續攝影方法，成功試制了“照相槍”，並在另壹位發明家強森制造的“旋轉照相機”的基礎上，創造了“移動負片連續照相機”，1888年9月，他用軟盤膠片拍攝活動照片。
在1888-1895期間，法國、美國、英國、德國、比利時、瑞典等國都有過拍攝和放映的實驗。1888年，法國人雷諾試制了“光學電影機”，用來拍攝世界上第壹部動畫片《壹杯美味的啤酒》。1889年，美國發明家愛迪生發明了膠片照相機，經過五年的實驗，他發明了膠片鏡子。他在紐約發行了他的電影影像，這在美國引起了轟動。但他的電影《夜視鏡》壹次只能壹個人看，壹次展示幾十英尺的膠片，包括賽馬和舞蹈表演。他的電影《鏡子》利用膠片的連續旋轉來制造活動的假象。可以說，最原始的電影發明應該屬於愛迪生。他的電影《鏡》傳入中國後，被稱為“西洋鏡”。
1895年，法國兄弟奧古斯特·琉米愛爾和路易·琉米愛爾在愛迪生的“電影鏡”和他們自己的“連續照相機”的基礎上，成功地研制出了“可移動的電影機器”。“可移動膠片機”主要有三大功能:攝影、放映、沖印。它以每秒16幀的速度拍攝和放映電影，圖像清晰穩定。3月22日，1895，他們的第壹部電影《琉米愛爾工廠之門》在巴黎法國科技大會上獲得成功。同年，14年2月28日，他們正式向公眾發布了壹批自己制作的紀錄片短片，包括《火車到站》、《澆灌的園丁》、《寶寶的午餐》、《工廠大門》等12部影片。盧米埃爾兄弟是第壹批在銀幕上放映電影的人。歷史學家認為，盧米埃爾兄弟的拍攝和放映已經脫離了實驗階段，所以他們把世界電影首次公映的日子定在1895年2月28日，作為電影的誕生日，盧米埃爾兄弟自然成為“電影之父”。
(B) 1896-1912、電影從小就迅速成為壹門藝術。
早期的電影，還沒有走出它誕生的痕跡，就以雜耍和魔幻的姿態讓人覺得新奇。琉米愛爾開創了最早的電影類型，如新聞片、旅遊片、紀錄片、喜劇片等。從列車到達車站，人們跪在地上，到用水龍帶滅火，用水龍帶滅火，滅火，救死扶傷。琉米愛爾電影最突出的特點是紀錄片，直接拍攝現實生活，給人身臨其境的感覺，成為現實主義自然主義電影風格的先驅，形成了電影的紀錄片傳統。琉米愛爾關於生活的紀實短片連續放映壹年半後，人們的興趣明顯減弱，以至於最後無人問津，這不能不說是時代和自然主義的局限造成的。但是最初的困境並沒有影響電影的大趨勢。另壹位法國電影先驅喬治·梅·李艾的出現恰逢其時。他把電影從壹部紀錄片《動圖》(也叫電影)變成了藝術電影，為電影的發展做出了很多創造性的貢獻。
梅李艾作為機械師，做了壹整套的機關、機器、舞臺道具；作為畫家，他制作了無數布景和服裝；作為壹名魔術師，梅·李艾運用他豐富的想象力，創造了許多新的特技。作為作家，他不斷創作新劇；作為演員，他是他節目中的重要角色；作為導演，他知道如何設計和動員壹個小劇團。喬治·薩杜爾(George sadoul)在《世界電影史》中說:“梅·李艾天才的特點在於系統地將大多數戲劇方法，如劇本、演員、服裝、化妝、布景、機構裝置等等，運用到電影中。”他在這方面的經驗直到今天還以各種形式保存在電影裏。
梅·李艾用攝影特技代替了舞臺上的機械裝置。同樣，由於無聲電影的需要，梅·李艾還為演員們發明了壹種新的表演技巧。這種表演雖然不同於啞劇，但它強調誇張和手勢，因為它非常註重動作，不太註重面部表情。《灰姑娘》是梅戲劇電影的代表作。這部根據歐洲著名童話故事改編的電影，巧妙地運用了各種特技，將南瓜變成了汽車。把老鼠變成馬車夫是特技攝影的開拓性應用，也是梅對電影的又壹貢獻。
1902年，梅執導了著名的科幻電影《月球之旅》，該片根據儒勒·凡爾納和HG·威爾斯的兩部著名科幻小說改編。這是他的代表作，在電影史上影響深遠。這部電影描述了壹群天文學家裝扮成占星家去月球旅行的奇幻故事。他們來到壹個陌生的機器工廠，幾個漂亮的女水兵搬著壹架炮彈形狀的大飛機。當天文學家進入時，它們被反射到月球上。天文學家從飛行器裏出來，欣賞著月球環形山附近平原的奇妙景色。也受到美女扮演的星神們的歡迎。天黑後，他們從夢中醒來，鉆進了壹個大山洞，在那裏他們看到了月神、巨大的蘑菇和各種奇怪的東西。在經歷了許多危險的曲折之後，他們乘坐炮彈飛行器飛回了地球，並在壹次奇怪的海底之旅後結束了雕像的揭幕儀式。梅對電影藝術的貢獻，使電影在成為獨立的影像視聽藝術的道路上前進了壹大步
這期間，不能不提波特拍攝了《火車大劫案》。《火車大劫案》中，波特第壹次用14個場景拍成電影。在此之前，梅的電影從頭到尾都是壹個鏡頭。《火車大劫案》是第壹次用多個場景組成壹部電影(嚴格來說不是真正的電影，因為當時沒有鏡頭變化)。波特的電影裏有特寫鏡頭。電影史上壹個著名的鏡頭是用手槍對準觀眾，在影片中已經有了初步嘗試。但對這個鏡頭的審美功能並沒有自覺的認識，所以它只是壹個自發的開始走向電影藝術的壹個階段。
在無聲電影階段，蘇聯的格裏菲斯、卓別林和愛森斯坦為電影發展做出了巨大貢獻。
1908年，大衛·格裏菲斯加入愛迪生公司，先做演員，後做導演。從1908到1912，他導演了大約400部電影。在《孤獨的別墅》中，他創造了“平行蒙太奇”，標誌著電影徹底擺脫了舞臺劇的束縛，電影的時空得到了極大的拓展。
這壹時期在美國出現的布萊頓學派也對電影藝術的發展起到了重要作用，布萊頓學派的代表人物威廉·保羅在彼得·卡德裏馬戲團的摩托車表演中成功運用了手機攝影。威廉姆森還在《中國的教堂被燒了》中首次成功運用了追逐和營救的戲劇性場面，通過兩頭分割使情節逐漸緊張，為後來的驚悚片尤其是美國“西部片”開了先河。布萊頓學派的另壹位代表人物加·史密斯在《祖母的放大鏡》和《望遠鏡中的場景》中交替使用了同壹場景的原始真實蒙太奇，特寫和透視的交替使用促進了電影語言的發展和應用。此外，布萊頓學校的柯林斯和哈布裏奇制作了真正描述現實生活的電影，如礦工的生活，煤礦爆炸悲劇和囚犯越獄。這壹時期，被譽為世界第壹電影城的法國萬松被譽為“世界電影之都”，擁有EMI和Gomon兩大電影制作公司。從1903到1909，在世界電影史上也被稱為“百代時期”。
1908年，世界第二電影院好萊塢在拍攝《老姐山伯爵》時也初具規模。當時，它只是攝影師托馬斯·博森斯和導演弗朗西斯·博格斯建造的壹個小工作室。直到1913才成型。
(C) 1913-1926，默片正在走向成熟。
梅在拍完自己的第430部電影後，於1913退出電影界，最後死於街頭。在為電影藝術的發展做出巨大貢獻後，壹代大師就這樣離開了這個世界。梅的沒落和好萊塢的崛起，標誌著電影已經告別了嬰兒期，進入了成熟階段。
格裏菲斯在1915年以藝術家的勇氣拍攝了經典默片《壹個國家的誕生》，也在1916年拍攝了《與不同黨派的沖突》。這兩部經典電影，被譽為電影藝術的奠基之作，標誌著電影成為壹門藝術的開始，是美國電影史上的裏程碑，是當時電影的最高水平，也是世界電影史上的兩部經典電影。
格裏菲思不朽的成就是突破了梅李艾戲劇電影中的壹些舊陋習。作為第壹人，他在電影拍攝過程中使攝影機移動，極大地豐富了電影語言，創造性地運用了“特寫”、“圈入”、“剪切”等手法，使蒙太奇成為電影藝術的重要手段。格裏菲斯在梅李艾和英國布萊頓學派早期發現特技攝影蒙太奇的基礎上，創造了平行蒙太奇的交替蒙太奇。在《壹個國家的誕生》中，他充分運用了自己的特效和蒙太奇語言，影片集中展現了當時歐美電影藝術探索的成果。這部電影在浩瀚壯闊的歷史場景中，很好地發揮了電影藝術時空自由跳躍的作用，同時體現了蒙太奇和多線對比交替的作用。整部電影由1000多個鏡頭組成。不同場景的轉換和靈活的攝影技巧是格裏菲斯在電影史上的大膽創造。影片中，特寫、特寫等不同場景的組合運用，和諧變換，各有其位。如《大視野》，他用來表現兩軍對峙、交火的戰爭場面；他用特寫鏡頭來表現人物的詳細動作。在拍攝Ku三k黨的奔馬場景時，格裏菲斯將攝像機安裝在卡車上，並對奔馬進行追蹤，達到了緊張、逼真、生動的畫面效果。壹年後的《與不同群體的沖突》也是壹部標誌著格裏菲斯畢生成就的電影，突破了古典戲劇的“三統壹”局限，開創了“多元法則”開拓銀幕時空。影片將不同時代的事件並列濃縮，極大地豐富了電影語言，豐富和發展了平行蒙太奇語言。這部經典之作在電影史上占有重要地位，並以其密集的節奏、豐富多彩的畫面、手機攝影的美感和宏大開放的大膽創意推動了電影藝術的發展。
在這壹時期，電影已經成為壹種公眾輿論的藝術；另壹方面，在這壹時期，電影已經成為壹種企業，只有這時，電影才有了真正的藝術品。美國喜劇電影大師查理·卓別林也是無聲電影時期傑出的電影藝術家。1914年執導首部電影《愛情二十分鐘》。然後，《陣雨之間》又出來了。在這部電影中，第壹次出現了流浪的夏爾洛的形象。在1917的《安樂街》中，夏爾洛的形象顯示出壹種引人註目的光彩。夏洛參軍標誌著卓別林表演藝術的成熟。1919年集資建廠，成為好萊塢第壹個真正意義上的獨立制片人。20世紀20年代，他拍攝了壹批以《淘金熱》為代表的著名電影。卓別林壹生有80部喜劇電影，其中《王子復仇記》《大獨裁者》《凡爾登先生》《摩登時代》《淘金記》有著永久的魅力。卓別林電影的最大特點是:鮮明的現實感和尖銳的諷刺，雅俗共賞的大眾化特征。薩杜爾先生這樣評價他的作品:“卓別林的電影是唯壹能被窮人階級和最天真的人欣賞的。同時也能為最高層次的觀眾和知識分子所欣賞。”
蘇聯著名電影大師謝蓋·愛森斯坦是無聲電影時期蒙太奇理論建立和發展的傑出代表。1924年，他執導了第壹部電影《罷工》，創造性地運用歌舞雜耍蒙太奇，將俄羅斯軍警屠殺工人的場景和鏡頭群屠殺牲畜的場景串聯起來，使之交替出現，產生了震撼人心的隱喻。1905年，他執導了世界電影史上最傑出的史詩默片《戰艦波將金號》，成功代表了1905年的俄國革命。這部電影在國際電影獎中獲得了許多獎項。影片中著名的敖德薩臺階的場景和段落，成為影響了幾代電影藝術家的經典範例。1927年還執導了十月。愛森斯坦的貢獻在於對蒙太奇的理論闡述和藝術實踐，使其成為壹個完整的美學體系。愛森斯坦的藝術特色是在格裏菲斯創造的平行蒙太奇手法上前進了壹大步。善於用特寫來表現事物的內涵；利用鏡頭的交叉，形成蒙太奇節奏，揭示人物的內心情感；充分發揮蒙太奇的隱喻功能，形成“詩電影”的傳統。
(D) 1927-1945，電影作為壹門藝術變得成熟。
1927是電影史上劃時代的壹年。電影《爵士之王》的誕生標誌著有聲電影時代的到來，也是電影走向成熟的標誌。聲音使電影從單純的視覺藝術發展為視聽結合的屏幕藝術，實現了電影史上的壹次革命，極大地發展了電影的本質，為電影藝術開辟了壹個新的世界，有聲電影的問世和傳播大概用了五六年的時間，原因有認知的、經濟的、技術的。尤其是壹批知名的電影藝術家，他們執著於無聲電影時期的美學原則，對新上映的有聲電影的壹些弱點過於挑剔。但隨著電影藝術家運用聲控能力的增強，錄音設備和技術條件的改善，有聲電影是可以正常發展的。
聲音進入影片後，蒙太奇不僅僅是畫面的組合，還延伸到聲畫的對位或對立，從而豐富了蒙太奇的內涵手段。有聲電影取代無聲電影是符合電影發展的客觀規律的，有其客觀必然性，因為有聲電影的誕生標誌著電影走向藝術真正發展的時期，1933以後，由於技術的進步，電影制作中的同步錄音改為後期錄音，電影攝影變得靈活多變，充滿活力。與此同時，蒙太奇的理論和技術也有了很大的發展。蘇聯電影大師普多夫金在拍攝《逃兵》時，運用了聲畫對位、對立的畫外音方式來增強電影效果，使觀眾耳目壹新。
1935年，哺乳動物制作了世界上第壹部彩色故事片《虛榮的世界》。彩色電影的發明使電影藝術進入了壹個新的發展階段。聲音和色彩讓電影更貼近自然。壹些電影制作人在壹部電影中交替使用彩色電影和黑白電影，從而收到特殊的藝術效果。
彩色電影的出現標誌著電影從誕生發展到了壹個完善成熟的發展時期，電影藝術從此進入了壹個新的發展階段。
(5)從1946-1959，電影藝術進入了壹個重要的發展時期。
這壹時期，世界電影呈現出多頭曲折的發展時期。戰後壹段時間，美國電影在全世界都受到冷遇。戰後，蘇聯及其東歐國家形成了四足鼎立的政黨，沿著社會主義現實主義的傳統軌道緩慢發展。藝術創作受教條主義和庸俗社會學的影響，很少有突破和進步。這壹時期，蘇聯的壹些電影工作者制作了壹批具有情感沖擊力的戰爭片和具有壹定形象感染力的傳記片。如青年近衛軍，攻克柏林，加入易北河，米楚林，茹科夫斯基，烏沙科夫海軍上將。斯大林死後，在“解凍文學”思潮的影響下，蘇聯電影開始走出僵化的模式。1957年卡拉托·卓夫《南飛》之後，蘇聯電影又有了發展。英法德意等西歐電影強國，形成了當時四足鼎立的另壹極。受戰爭留下的陰影和經濟困難的制約，西方電影進入了壹個特殊時期。在困難和對手的挑戰下，他們不僅沒有退縮，反而刺激了西歐現實主義電影的繁榮和發展。在東方，日本、中國、印度電影都取得了長足的進步，相繼進入世界強國行列。日本電影在東方起步早，二戰時誤入歧途，戰後不久又獲得新生。尤其是1950年黑澤明的《羅生門》之後，日本電影吸引了世界的目光。印度電影在30年代也有壹個很好很窄的發展。進入這壹時期後，受意大利、法國和蘇聯電影的影響，印度電影逐漸從追求奢華的音樂電影轉向現實。在1953期間，拉茲·卡普爾導演的《流浪者》和比梅洛耶的《兩畝地》等電影標誌著印度電影的新面貌。1955年，印度生產了285部電影，僅次於日本，位居世界第二。目前印度電影年產量約700部，是世界上最大的國家。
這壹時期，意大利新現實主義電影在世界電影史上產生了重要影響。新現實主義電影中心的代表人物是意大利電影雜誌的反法西斯影評人巴巴·羅桑蒂斯和查蒂尼。來自記者和作家的年輕導演是他們的代言人，主要包括:德西卡、羅西尼、維斯康帝、利薩尼、莫切裏尼等。他們要求建立壹個現實的，流行的和民族的意大利電影。他們的口號是:“把我的老百姓還給我”；把相機帶到街上。他們非常重視作品的真實性，盡量把場景和細節拍得具有攝影感和誠意，基本都用外景和實景拍攝；不太註意語法和蒙太奇剪輯；提倡使用非專業演員，演員可以在演出中即興發揮。代表作品主要有:《羅馬11: 00》《自行車賊》《遊擊隊》《警察與小偷》《大地在起伏》《橄欖樹下不得安寧》《米蘭的奇跡》等。新寫實電影的特點是素材多為意大利現實生活的紀實寫照。新現實主義電影在20世紀50年代中期衰落，但它對電影藝術的發展起到了極其重要的推動作用。
(六)1960以來，世界電影從突破創新走向多元化發展。
繼意大利“新現實主義”電影之後，世界電影史上出現了第三次革新運動。這場電影運動始於法國。自1959新浪潮以來，法國電影出現了壹種全新而有效的打破商業電影壟斷的方式。新浪潮的口號是不要當大明星，打破明星制，不要花大價錢拍豪華片，要拍貼近生活的電影。這股浪潮已經席卷全球，許多國家出現了新的浪潮。“新浪潮”電影運動是世界電影發展中留下較多成就、影響深遠的電影運動。這場以反傳統為旗幟，以非理性為基本特征的電影運動，對戲劇電影的沖擊更大。電影運動始於夏布羅導演的《美麗的謝爾蓋和考辛斯》的上映，以及戛納電影節上特雷弗的《四百次》和艾倫·雷艾的《廣島之戀》引起的轟動。其電影藝術特點是:影片呈現出全新的風格，意識流和閃回鏡頭經常被壹些創作者使用，情節松散，許多生活事件沒有邏輯和技巧地剪輯在壹起，表現人物的潛意識活動，缺乏結構完整性。
新浪潮後期電影，現實主義被徹底拋棄，電影陷入瘋狂、神秘、頹廢的泥潭。其非理性、非情節化傾向越來越嚴重，導致其很快走向衰落。然而，由於其巨大的勢頭和敢於突破創新，它在電影史上的影響是巨大的。它不僅確立和強化了導演的中心地位，而且進壹步發掘了電影的特點，豐富了電影的詞匯，推動了這壹時期電影的全球化發展，真正形成了電影題材的多樣化、電影風格的豐富化以及電影潮流和流派的多樣化和個性化。
在此期間，世界電影工業有了很大發展。甚至拉丁美洲、遠東、阿拉伯世界和黑非洲的電影也取得了長足的進步，而在過去，巴西、阿根廷和墨西哥在世界電影史上占據了壹席之地。在此期間，有了新的發展，智利、古巴和玻利維亞的電影也是如此。這壹時期，香港電影發展到充斥整個中南亞電影市場，並影響了整個大陸的局勢。所以，在這個時期，世界電影已經脫離了過去的四足鼎立，轉為全球化發展。
世界電影的發展有兩個名詞是必須要討論的，壹個是好萊塢，壹個是奧斯卡。
如上所述，好萊塢電影城在1913年開始初具規模。事實上，當攝影師托馬斯·博森斯(Thomas Bossens)和導演弗朗西斯·博格斯(Francis Boggs)於1908年來到這裏拍攝《基多山伯爵》(Mount Kiddo)時，這裏只是美國西海岸洛杉磯市郊的壹個小村莊。這個小村莊因其美麗的風景而被稱為好萊塢，意思是常青的橡樹林。
自1913成立以來，先後有派拉蒙、米高梅、福克斯、環球、華納等大型制作公司，在全球範圍內主導著電影的制作和電影的發行與發行。同時，它也吸引了世界各地的導演和演員在那裏拍攝電影和表演，使其成為美國繁榮的電影城。
好萊塢是美國電影制作的主要基地。有人統計，制作的電影可以分為75種類型，其中有我們熟悉的偵探片、西部片、音樂劇片、喜劇片、驚悚片、科幻片、抒情片。這些制作公司對電影進行了大量投資，使電影業成為美國的壹個大規模產業，成就了世界電影的霸主地位。
好萊塢電影都是以票房價值收入為導向的。制片人關心的是如何賺更多的錢，要求“把燈放在有錢的地方”，“把鏡頭對準觀眾崇拜的面孔”。所以好萊塢電影壹般都能在商業上取得巨大成功。這些電影很有戲劇性，編織了各種人在各種生活中的各種經歷，結構緊湊曲折，人物復雜獨特，情節上常常有誤會和巧合；傳奇而浪漫，具有極大的刺激性和觀賞性，能滿足娛樂的感官體驗和心理需求。
第壹部根據大仲馬原著改編的默片《基督山伯爵》，拍攝於1908年好萊塢荒野中搭建的簡陋棚子裏。有人把1913作為好萊塢的奠基年，當時派拉蒙在好萊塢建立了壹個工作室，當時美國偉大的導演西博·德米爾來到這裏拍攝《已婚》，工作室再次擴建，所以人們會把這壹天記為好萊塢的生日。
20世紀三四十年代是好萊塢的黃金時代，期間推出了很多傳世佳作，比如《飄》、《蝴蝶夢》、《斷藍橋》，還有喜劇大師卓別林的代表作，比如《摩登時代》、《大獨裁者》。這些電影不僅被視為好萊塢經典，也為世界電影史增添了輝煌的壹頁。由此，世界觀眾開始熟悉那些在銀幕上塑造了與眾不同的人物形象的明星:卓別林、鮑嘉、蓋博、泰勒、勞倫斯、瓊·芳登、英格麗·伯格曼等等。
隨著資本主義經濟的畸形發展，好萊塢也遭遇了各種危機，通貨膨脹，制作成本的大幅增加，電視行業的競爭，觀眾審美標準的變化，壹度讓好萊塢走向低谷。有些公司虧損了，有些公司幹脆多元化經營，把工作室變成了旅遊和展覽區。直到20世紀70年代，電影人采用了歐洲制片人制度，好萊塢才走出低谷。同時，制片方還引進新的科學技術，創造立體、寬銀幕等電影形式；壹些廠商與電視化敵為友，讓好萊塢成為電視行業的壹員，也因此讓影視行業繁榮起來。
至於奧斯卡，眾所周知，每年的三四月份，太平洋上的美國名洛杉機音樂中心的電影明星們會聚在壹起，參加在美國電影藝術與科學學院舉行的奧斯卡頒獎典禮。這個壹年壹度的頒獎典禮不僅是美國電影界的盛事，也是世界電影界的盛事。
在美國，最著名的電影藝術獎有兩個，壹個是外國記者頒發的金球獎，壹個是奧斯卡獎。相比較而言，金像獎更被人們津津樂道，因為這是美國電影界的最高榮譽。壹旦它占了先機，它將價值百倍。所以這個獎項的競爭是相當激烈的。
奧斯卡獎為什麽取名“奧斯卡”？這還得從金像的設計說起:金像的造型最初是米高梅的藝術家塞德裏克·吉姆斯(Cedric Jims)構思的，後來由年輕雕塑家喬治·斯坦利(George Stanley)於1928年制作。這座金像的主體是壹個站在膠片上的男人，手裏拿著壹把武士的劍。他長34.5 cm，重3.45 kg，材質為銅基合金。因為雕像是金色的，所以被稱為金質獎。它在1931被命名為奧斯卡，而金像獎的頒發純屬偶然:頒獎前夕，評審團成員正在壹起評論金像，當時的文理學院圖書管理員瑪格麗特·赫裏奇忍不住大喊:“啊！他真的很像我叔叔奧斯卡。”於是，文理學院的工作人員把金像稱為奧斯卡，這個名字也就名揚天下了。
奧斯卡金像獎誕生至今已經超過73年。我們可以看到美國乃至世界電影產業的飛速發展。奧斯卡金像獎原定每兩年評選壹次，從1934開始擴大到每年壹次。起初規模不算太大，活動僅限於電影界，評選的消息也只在《洛杉磯時報》上發布。直到1953才第壹次通過電視媒體向全國直播頒獎全過程，同時增加了壹個外國電影獎。至此，奧斯卡獎的評選已經成為舉世矚目的大事。如今，以衛星為傳播媒介，奧斯卡金像獎的評選可謂家喻戶曉。1989年3月30日，61奧斯卡頒獎典禮在好萊塢隆重舉行。主持人當場宣布，全球有91個國家的十億觀眾，包括第壹次看直播的前蘇聯觀眾，通過衛星收看頒獎典禮。
總之，從第二次世界大戰結束以來，這部電影在技術上已經相當完善，在藝術表現上也相當成熟。中國電影理論家邵在他的《西方電影史導論》壹書中提出，電影在百年發展中可以分為四個階段來研究:
壹、形成期(1895-1927)，從愛迪生和琉米愛爾在美法發明電影的那壹天開始，經歷了從短片到長片，從單鏡頭到多鏡頭剪輯，從而形成視覺語言的20多年歷史。
二是發展期(1927-1945)。在不到二十年的時間裏，電影獲得了聲音和色彩，具備了電影藝術所必需的壹切表現元素，人們開始總結反對無聲電影的經驗，在運用聲音和色彩、發掘電影影像表達的潛力等方面進行了認真的研究和實驗。
三、成熟期(1945至今)，電影在二戰結束後已經到了技術完善的階段，此後的技術發展不再對藝術表現產生顯著影響。從此，電影進入了藝術完善的階段，在與其他藝術的關系上，也從過去單純的模仿和吸收，走向了給予和索取的階段。此外，更值得關註的是，電影不再是單純的娛樂，而是壹個具有巨大社會影響力的藝術門類。