焦平面使用的技術之壹。
它的表現是屏幕上顯示的運動圖像突然停止，變成靜止畫面(靜止照片)。
定格是動作的瞬間“凝結”，表現出雕塑般的靜態美，用來突出或渲染某個場景、某個表情、某個細節等等。
具體制作方法是在鏡頭中選擇某壹幀，由打印機反復打印膠片，使停止的幀延伸到需要的長度。
根據鏡頭剪輯的需要，定格處理可以由動(動畫面)變靜(定格畫面)，也可以由靜(定格畫面)變動(動畫面)。在影片的結尾，有人用定格來表示故事的結束，或者以此為點給觀眾留下回味。
專題文章
拍攝肖像的臉部和主體的壹部分的鏡頭。
由美國早期電影導演大衛·沃克·格裏菲斯(1875-1948)創作。
特寫鏡頭是電影畫面中視距最近的鏡頭。由於其觀看範圍小，畫面內容單壹，表現對象可以從周圍環境中脫穎而出，產生清晰的視覺形象和強調的效果。
特寫可以表現人物微妙的情感變化，並揭示出來。
圖片顯示
電影藝術中處理鏡頭結構的壹種技巧。
鏡頭畫面中的中心人物或運動物體離開畫面，稱為繪畫；當人或運動的物體進入畫面時，就叫做繪畫。
當壹個動作貫穿兩個以上鏡頭時，為了使動作流連續而不混淆觀眾，相連鏡頭之間的人或運動物體的繪制和繪制方向應基本壹致，否則必須插入壹個中性鏡頭作為過渡。
圍成圓圈
“筆畫”的變化
以圓圈的形式，從圖片的中心點逐漸擴大(圈出來)，或者用圓圈將整個圖片逐漸縮小為壹個點(圈進去)並被下壹張圖片所替代。
有時包圍也用來強調或突出畫面的某個細節部分。
切入
指上下鏡片直接連接。
第壹個鏡頭叫“切出”，最後壹個鏡頭叫“切入”。
這種不需要任何附加技巧的鏡頭組裝方法，可以在不打斷時間流動的情況下增強動作的壹致性，具有幹凈、緊湊、簡潔、生動的特點。
它經常被用來描述環境，連接人們的對話和行動。
在故事片的拍攝中，這種連接方式壹般用於同壹場景的鏡頭。
隨著鏡頭的切入，觀眾在視點的不斷變化中逐漸了解表現對象，感覺不到畫面組合的痕跡。
淡入淡出
也稱為“淡入淡出”。
電影中表現時空轉換的技巧之壹。
後面的畫面逐漸出現，最後完全清晰。這個鏡頭的開頭叫做“淡入”，意思是壹個段落的開始；前面的畫面逐漸淡去，直到完全消失，這就意味著壹個段落的結束。
淡入淡出節奏緩慢，抒情，能給觀眾視覺上的停頓，產生完整的段落感。
隨著電影節奏的加快，如今已經很少使用了。
劃劃畫畫
“排”的簡稱。
電影中表現時空轉換的技巧之壹。
用不同形狀的線劃掉上壹張圖片(畫出來)，換成下壹張圖片(畫進去)。
壹般適合節奏快、時間短的場景轉換；尤其是在描寫異地或同時並行發展的事件時，組合筆法發揮著不可替代的作用。
其不足之處在於，如果處理不當，容易讓觀眾意識到屏幕四邊邊框的存在，削弱畫面形象的真實感。
進出出
也稱為“溶解與解散”和“解散”，或者簡稱為“轉化”和“解散”。
電影中表現時空轉換的手法之壹。
指前壹個電影畫面逐漸消失(融化)，後壹個畫面逐漸出現(融化)。
兩者同時隱藏和顯示，在屏幕上短時間重疊，也就是交替通過“解散”的狀態。
也常用來表達現實與夢境、記憶與聯想場景的聯系。
“轉化”的方法比較含蓄委婉，往往有壹定的含義。
根據內容和節奏的需要，“變身”的時間可長可短，壹般在1-3秒之間。
全長鏡頭
“短鏡頭”的對稱性
指壹段時間內連續拍攝，占據較長膠片的鏡頭。
可以包含更多需要的內容，也可以成為壹個蒙太奇句子(不同於幾個短鏡頭組成的蒙太奇句子)。
對其長度沒有明確統壹的規定。
壹般分為固定長鏡頭、變焦長鏡頭、景深長鏡頭、移動長鏡頭四種。
其中，移動長鏡頭包括相機的推拉、搖擺、升降等動作。
因為長鏡頭可以統壹鏡頭內部的各種動作，自然流暢，變化豐富，為畫面造成各種角度和場景。既能表現環境，突出人物，又能給演員的表演帶來充分的自由，有助於人物情緒的連貫，使重要的戲劇動作得到充分而有層次的展現。
長鏡頭的拍攝，因為不會破壞事件發生發展的時空連續性，所以具有很強的時空真實感。
追蹤鏡頭
也叫“跟風”。
照相機跟隨運動物體拍攝的照片。
隨動鏡頭可以連續、細致地表現人物在動作中的動作和表情，既能突出運動中的主體，又能說明運動體的方向、速度、姿態及其與環境的關系，使運動體的運動保持連貫，有助於表現人物在動態中的精神面貌。
風景照
又稱“風光拍”。
沒有人物(主要是與情節有關的人物)描寫自然景物或場景的場景。
常用來介紹環境背景，說明時空，表達人物情感，推動故事發展，表達作者態度。它具有解釋、暗示、象征、隱喻等功能。在影片中可以產生借物抒情、情景交融、渲染意境、烘托氣氛、引起聯想等藝術效果。，而且在畫面的時空轉換、調整影片節奏方面也有獨特的作用。
空拍有兩種:風光拍和實物拍。前者壹般稱為風景拍攝，多以全景或透視來表現。後者又稱“細節描寫”，壹般采用特寫或特寫。
空鏡頭的運用不僅僅是簡單的景物描寫，也是電影創作者將抒情手法與敘事手法相結合，加強電影藝術表現力的重要手段。
拉鏡頭
把相機放在移動的汽車上，拉回到人或場景來獲取圖片。
隨著鏡頭逐漸遠離主體，畫面逐漸從壹個局部展開，讓觀眾往後移，看到局部與整體的聯系。
類型電影是20世紀三四十年代主導好萊塢的壹種電影制作方法的總稱。
電影藝術在其發展過程中，逐漸形成了電影所特有的不同類型的電影。
所謂流派，是指由於題材、手法、風格的不同而形成的電影的類別、範疇或風格。
比如西部片，好萊塢電影最重要的類型之壹，有著獨特的題材領域、自然背景、地域特色甚至場景、服飾、道具等造型元素，從而導致敘事風格、形象結構、場景調度等獨特的藝術手法。
其他流派，如喜劇、音樂劇、犯罪、偵探、恐怖、戰爭、社會、奇幻、心理、歷史、傳記、言情、兒童片、體育片、災難片，都有自己的傳統特色。
類型電影是藝術產品的商業化、標準化表現形式，用喜歡的明星扮演的千篇壹律的角色，觀眾感興趣的程式化情節，充滿* * *的圖形畫面牢牢抓住觀眾；但由於它保留了藝術家們多年來卓有成效的創作，形成了自己的傳統，並隨著時代的推移而不斷變化，符合大眾藝術的要求，因此為好萊塢電影贏得了廣闊的國際市場，並被其他國家的商業電影所模仿。
第二次世界大戰後，由於好萊塢制片廠體系的解體，對導演個人風格的強調，各國新電影流派的興起，以及觀眾審美趣味的變異，電影類別及其內涵、手法、形式、邊界都發生了很大的變化。
推鏡頭
把相機放在行駛的汽車上，向著拍攝對象和拍攝的畫面向前推進的拍攝方法。
當鏡頭向前移動時，主體在畫面中逐漸變大，引導觀眾的註意力到要表現的部分。
它的作用是突出主題，描寫細節，使強調的人或事在整個環境中突出出來，以加強其表現力。
推鏡頭可以不斷地展現人物動作的變化過程，從肢體動作逐漸推至面部表情或動作細節，有助於揭示人物的內心活動。
背景
在鏡頭中在主體後面或後面附近的人或事物。
在鏡頭畫面中，背景與前景相對應，有時作為表演的主體或伴體，但大多是戲劇環境的壹部分。
後攝可以豐富畫面的形象，產生多層景物的造型效果，增加鏡頭的空間深度，從而形成場景的典型環境和生活氛圍。
當相機以俯角拍攝時，畫面中背景的表現最為明顯。
在壹些場景處理中，背景就是背景。
根據場景調度的需要，隨著攝像機在場景中的移動和位置的變化，背景也可能相應地變換成前景。
附近的風景
在人物胸部上方拍攝電影畫面。
視線比特寫稍微遠壹點。
在近景中，人物的上半身活動在畫面中占據突出位置，成為主要表現對象，可以讓觀眾清楚地看到人物的面部表情或某種肢體動作。
特寫和特寫的作用差不多，就是視覺效果比較鮮明，有利於對人物的外貌、表情、服飾、儀表等進行細致的描寫。
近景在表現人物的情感交流，揭示人物之間的具體關系方面有其獨特的藝術功能。
特寫鏡頭有時用來捕捉場景的某壹部分。
有些拍攝人物腰部以上的鏡頭壹般稱為“近景”。
前景
鏡頭中主體前面或接近前面的人或物。
在鏡頭畫面中，用來襯托主體或構成戲劇環境的壹部分。
具有襯托主體、裝飾環境的作用，有助於增強畫面的空間深度，平衡構圖，美化畫面。
在壹些手機攝影中，可以通過前景的變化和交替來增強鏡頭的運動感和節奏感。
前景要與畫面內容有機結合，片面追求前景的裝飾美會破壞畫面的統壹性，甚至會削弱或混淆所表現的主體。
根據場景調度的需要，隨著攝像機在場景中的移動和位置的變化，前景也可能相應地變換成背景。
室內環境
又稱“棚內”。
指攝影棚內設置的場景(包括室內場景或室外場景)。
室內的有利因素是不受天氣、季節等自然條件的限制和影響，更容易營造出所需的環境氛圍和視覺效果；缺點是制作昂貴費時，有些場景容易顯出人工痕跡，缺乏真實感。
所以為了追求場景的真實性，近年來導演們都采用了現場拍攝。
現場
非人工場景。
電影拍攝中為了追求環境的逼真效果，直接選取自然環境或社會環境。
壹般需要不同程度的處理和布局來滿足劇情的需要。
真實的場景讓影片中的場景充滿了生活氣息和時代感，不僅可以節約制作成本，還有助於加快制作進度。
整個場景
捕捉角色全身或整個場景的電影畫面。
全景有壹個比較廣闊的空間，可以充分展現人物的整個動作，以及他們之間的關系。
在全景圖中，人與環境往往是融為壹體的，可以營造出生動的人與景的畫面。
全景和特寫相比，視距差別很大。
如果兩者直接結合，會引起視覺和情感的巨大飛躍，往往會收到獨特的藝術效果。
室外場景
攝影棚外的場景。
包括自然環境、生活環境等真實場景，以及攝影棚外搭建的室內布景。
其優點是真實、自然，生活氣息濃厚，有利於表現地方色彩或民族特色。
外景由藝術家根據電影劇情需要提前選定，實景可以根據導演的創作意圖進行加工，使其具有典型的特色和時代氣息。
遠景
拍攝遠處的人和風景的電影照片。
這種畫面可以讓觀眾在畫面上看到壹個廣闊而深遠的場景，以展現人物活動的空間背景或環境氛圍。
預見可以用來表現大規模的人群活動，渲染宏偉的場景。
同時，視覺也常被用來抒發感情和創造意境，即通過對自然景物的描寫來烘托或突出人物內心的波瀾。
原木
拍攝階段的壹份工作，也指承擔這份工作的全職人員。
主要任務是詳細、準確地記錄每壹個鏡頭的細節和數據，如鏡頭編號、拍攝方法、鏡頭長度、演員動作和對白、音效、布景、道具、服裝、化妝等。
因為壹部電影是幾個場景幾百個鏡頭拍出來的，所以不能按鏡頭順序拍。因此，田野筆記所做的記錄有助於影片鏡頭之間的銜接，為導演繼續拍攝、化妝、剪輯、配音和發展提供準確的數據和信息。
電影拍完之後，這些記錄也可以用來制作完成的拷貝。
主管
電影藝術創作的組織者和領導者，電影文學劇本搬上銀幕的總負責人。
導演作為電影創作中各種藝術元素的綜合者，組織和團結攝制組所有的創作人員和技術人員，發揮他們的才能，整合攝制組的創作工作。
導演的再創作是以電影文學的劇本為基礎，運用蒙太奇思維進行藝術構思，編制故事板和《導演的闡述》，包括把握未來電影的主題、人物描寫、場景調度、確定時空結構、聲畫造型和藝術風格。
然後尋找並確定演員，根據整體思路，對攝影、演員、美工、錄音、作曲等創作部門提出要求。，組織主要主創人員研究相關資料，分析劇本，集中統壹創作意圖，確定影片整體創作方案。
導演還會根據制作部安排的拍攝計劃，主導現場拍攝和後期制作工作，直至影片拍攝完成。
壹部電影的好壞，很大程度上取決於導演的素質和修養；壹部電影的風格往往體現了導演的藝術風格。
舞臺管理
這部電影的重要創作者之壹。
化妝師具有壹定的藝術造詣、審美造詣、繪畫歷史知識和觀察分析生活的能力。他能掌握並熟練運用化妝技巧和技能，帶領和指導助手完成影片規定的化妝任務。
化妝師根據影片整體設計的要求和演員外貌的特點，設計角色的化妝造型，指導制作各種化妝造型所需的零配件，完成整部影片的試衣和定型。
在拍攝過程中，化妝師負責保持人物造型的壹致性，並隨著人物性格、情緒、年齡、境遇等因素的變化進行相應的修飾，以保持人物外在形象的真實感。
藝術家
原名“布景師”、“藝術家”。
電影造型設計的主創人員。
藝術家的工作從研究劇本開始，分析人物，根據劇本的情節和主題，結合自己的生活經歷和資料積累，設計出影片的造型。
即通過化妝、服飾、布景、道具等手段，營造劇中人物的外在形象和影片的空間環境——壹個符合人物指定情境、具有時代感和地域特色、為人物活動提供更多動作支點、有利於場景調度和拍攝的藝術空間。
藝術家要有較高的文學素養和繪畫造型能力，精通電影視覺表達的獨特規律；要善於組織和指導相關美術造型部門的工作，以體現整體設計意圖。
特技攝影師
電影特技鏡頭的主要創作者之壹。
與特技藝術家合作，研究確定設計方案，運用相應的特技技術，用普通或專用攝影器材完成特技鏡頭的拍攝，以體現導演的創作意圖。
特技藝術家
又稱“特技設計”。
電影特技鏡頭的設計者和組織者配合特技攝影師完成特技鏡頭的拍攝。
特技藝術家既有電影建模的藝術素養，又有掌握電影特技技術的能力，能繪制特技鏡頭的畫面氛圍圖，勝任各種透視合成鏡頭所需的繪畫和模型處理。
與特技攝影師研究確定具體拍攝方案後，采用相應的特技技術完成特技鏡頭的拍攝任務。
特技藝術家提出的特技鏡頭設計方案，必須體現導演的創作意圖，與影片的整體造型相融合，充分考慮逼真、安全、經濟、省時的要求。
制片人
壹般來說是指電影公司的老板或者管理代理人。
負責統籌和指導電影的籌備和制作，並有權更改劇本的情節和決定導演和主要演員的人選。
制片方大多了解電影藝術創作、觀眾心理和市場信息，善於籌集資金，熟悉管理。
生產者
攝制組的執行領導和組織者。
根據故事板和導演的創作意圖，準備並執行拍攝計劃和成本核算，參與演員挑選，確定外景，審核布景設計。
主要負責電影的政治思想內容和拍攝過程，同時對電影的藝術和技術質量負責。
圓形膠片
也被稱為“銀幕電影”。
電影院周圍的圓形墻，360？在圓形銀幕上放映的電影。
多臺相機同時拍攝，多臺投影儀同時投影，包括三臺、五臺、九臺、十壹臺。
圓形電影院的放映機安裝在圓形銀幕上方的放映室，觀眾可以站在觀眾廳的中央隨意觀看。
由於視野開闊，具有多通道立體效果，能讓觀眾有身臨其境的感覺。
但由於設備復雜，篩查時間不宜過長，壹般只有半小時左右。
圓形電影院不能同時放映普通影片，因此受到限制，難以普及。
更多銀幕電影
用特殊的放映機在多個屏幕上同時放映不同畫面的電影。
觀眾在觀看主畫面的同時，還可以在其他屏幕上看到相關細節。
多屏電影可以豐富電影的內容，加深觀眾對電影的感受和理解。
全景電影
又稱“穹頂電影”或“穹頂電影”。
20世紀70年代出現的大銀幕電影。
拍攝和投影采用超廣角魚眼鏡頭。觀眾廳是圓頂形的，屏幕是半球形的。觀眾被它包圍著，屏幕就像天空壹樣。
由於屏幕圖像大而清晰，從觀眾的前方延伸到後方，並伴有立體聲的環繞聲，讓觀眾身臨其境的感覺非常強烈。
蒙版寬屏電影
也被稱為“假寬屏電影”。
壹部不變形的寬銀幕電影。
使用35mm膠片，在拍攝和放映時，在攝像機和放映機前面加壹個邊框，蓋住邊框的上下兩邊，在不改變畫面寬度的情況下，降低畫面的高度，使畫面的長寬比由原來的1:1.33變為1.66變為1: 65443。
這種寬銀幕電影比較簡單，已經廣泛使用。
復制
英文copy的音譯意為“復制”和“抄”。
用作電影術語，指用正片拷貝負片以供放映的電影。
後期制作階段
混合記錄雙膜的生產階段和成品膜的生產階段統稱。
攝制組完成對話雙膜並通過考核後，進入後期制作階段，其中混錄雙膜制作包括錄音效果、音樂、混錄；膠片制作階段包括洗印部的膠片拼接(俗稱“套底”)、配光和光學混聲底版顯影，以及打印原底版的校正拷貝和標準拷貝。
成對白色
後期錄制的重要工序之壹
指演員錄制的對話、獨白等。用於剪輯後錄制的電影或翻譯的電影。
演員在做這項工作時，必須反復觀看屏幕上顯示的場景，記憶場景中的表演，並使自己的聲音、情緒和嘴巴與屏幕上人物的表演相匹配。
同步
又稱“現場錄音”。
拍攝電影時的壹種錄制方法。
壹般來說，磁帶是用來錄音的。
同步錄音要求錄音室配備良好的隔音設備，攝像機和錄音機上要安裝避聲裝置。
外景拍攝場景也采用同步錄音，錄制的聲音可以作為演員配音的參考，提高影片對白的質量。
預錄
也稱為“預錄”。
電影制作中的壹種拍攝方法，先進行錄制，再拍攝畫面。
多用於有大量歌詞和音樂的歌劇電影和音樂劇中，即在電影拍攝前，將電影中的歌詞和音樂錄制為聲帶，然後演員在拍攝相應畫面時用聲帶回放進行表演。
聲音和圖像的同步
影片中的對話和聲音與畫面的動作是壹致的。
也就是說，影片的聲帶與畫面是嚴格協調的，使聲音(包括配音)與畫面形象保持壹種自然的關系，畫面中的視頻和它發出的聲音同時出現又同時消失，是壹致的。
反之，聲畫不同步。
聲畫同步的作用主要在於加強畫面的真實感，提高視覺形象的感染力。
視聽對位
電影中聲音與畫面的壹種關系。
包括兩種藝術處理:(1)視聽對比。
音樂與畫面的內容和意境是壹致的，只有量的區別存在。
比如中國的故事片《紅色娘子軍》中，有壹組生活畫面，表現的是戰士們充滿青春活力，步伐輕快，音樂是五指山上那面悠悠的紅旗。
這種對比有加強畫面結構的作用。
(2)聲與畫的對立。
音樂的形象和意境是完全相反的。
比如正片《祝福》中，好心的祥林嫂在被逼婚時撞了頭，想尋死。
刺激歡快的婚禮音樂與祥林嫂破頭而痛的畫面形成鮮明對比，深刻表現了舊時代的悲劇。
聲音和畫面的對位，有時可以預測劇情的發展。
例如，在故事片《天雲山傳奇》中，當魏松和吳瑤結婚時，表現魏松沈重而痛苦的感情的音樂與喜慶的場景相反，這表明了她婚後的不幸。
平行聲音和圖像
又稱“視聽並行”。
電影中聲音與畫面的壹種關系。
是指影片中音樂和畫面所表達的思想感情、人物性格、藝術風格、戲劇沖突等都很接近，但節奏和韻律並不同步。
它的基本特征是音樂重復或強化畫面的意境、傾向或意義。
描述性音樂和渲染性音樂屬於聲畫並行的音樂。
視聽同步
電影中聲音與畫面的壹種關系。
指音樂和畫面的意境壹致，節奏壹致。
常用於動畫電影中。
美國藝術電影導演華特·迪士尼(1901-1966)在其米老鼠電影中充分運用了聲畫同步的藝術處理手法。
因此，聲音和畫面同步的音樂也被稱為“米老鼠音樂”。
它也常用於歌劇、舞臺劇、歌劇電影或喜劇風格和冒險風格的故事片。
有時會形成畫面、音樂、音效三步同步。
比如中國電影《孫中山》中，北伐軍外出跑步。壹開始畫面和腳步聲同步出現，後來音樂也同步出現。腳步聲和音樂的低音結合在壹起，加強了音樂的低音，使之更加雄偉和緊張。