《R&B》(R & amp；b)它在20世紀40年代中期出現的時候，連名字都沒有。但是這個詞壹出現，就迅速而廣泛地傳播開來。今天，R & amp；b已經成為黑人流行音樂的代名詞，雖然它更多的是被特殊聽眾和唱片業內人士作為壹種不同於說唱、靈魂樂、都市的音樂來提及。早期搖滾音樂
是基於r&的；以b為主，是受流行音樂影響的“鄉村和西部音樂”的延伸。R & ampb不僅是布魯斯和搖滾樂之間重要的過渡音樂，也是布魯斯和靈魂樂之間最重要的音樂分支。
當然，布魯斯無疑是R & amp；b是重要的壹部分，但爵士元素同樣重要。最早的r &；b藝術家來自“大樂隊”和“搖擺爵士樂”領域。二戰前，爵士樂遠比今天流行。當時是為跳舞而演奏的壹種音樂，但樂隊裏壹般都有歌手。第二次世界大戰期間，許多重要的爵士樂藝術家開始發展“Be Bop”和“Cool Jazz”，這些音樂的舞蹈元素較少。然而，受戰時經濟和軍事因素的影響和制約，“大樂隊”開始逐漸減少。但是聽眾，尤其是那些在大城市迅速增長的非裔美國人社區的聽眾，仍然希望聽到會跳舞的音樂。因此，為了適應觀眾，音樂家們制作了音量更大、更多電聲樂器和重復片段的“Boogie”。
R & amp第壹次流行起來；b風格通常指“跳藍調”。它既吸收了爵士樂中的搖擺節奏和以符號為基礎的編曲，又吸收了布魯斯中常用的回復段和和聲結構。也許這種風格最重要的先驅是凱比·卡洛威。在《jump blues》中，歌手的聲音更刺耳，節奏更快，樂器的表現也不壹樣——鋼琴彈得更用力，薩克斯的聲音更長更尖。
最重要和最受歡迎的“跳布魯斯”明星是路易斯·喬丹，他的唱片在黑人和白人觀眾中同樣成功。他也深深地影響了查克·貝裏。許多早期的“跳布魯斯”表演者來自洛杉磯，在大蕭條和第二次世界大戰期間，這裏形成了壹個龐大的黑人社區。在20世紀40年代末，更多的城市開始有自己的“跳藍調”明星。獨立的洛杉磯唱片公司“Specialty”和“Aladdin”不僅填補了大唱片公司在這壹領域的空白，還通過出版“jump blues”使自己獲得了成功。喬·利金斯(Joe Liggins)、蒂尼·布拉德肖(Tiny Bradshaw)、阿莫斯·米爾伯恩(Amos Williams)、卡米爾·霍華德(Camille Howard)這些已經被完全遺忘的藝術家，都在當時的“跳布魯斯”(jump blues)中取得了巨大的成功，成為他們那個時代最美麗的黑人音樂家。
“跳藍調”後來換了幾種不同的風格。被稱為吶喊者的歌手，為“大樂隊”正式的演唱風格增添了更多活力的福音音樂和靈魂。大喬·特納在堪薩斯州的壹個爵士樂隊開始了他的藝術家生涯。他是R & amp；b和“爵士”，他不僅輕松地從“爵士”變成了R &；b，甚至寫過壹些早期的經典搖滾歌曲。此外，懷諾妮·哈裏斯、羅伊·布朗、羅伊·米爾頓和納皮·布朗也是20世紀40年代末至50年代初“擴音器”中的重要音樂家，雖然他們的名氣不如特納。
20世紀50年代初，Billboard雜誌的Jerry Wexler用“種族”音樂重新命名R & B .作為壹個& amp大西洋唱片公司；傑裏向流行音樂聽眾和青少年普及了“跳布魯斯”。早期“大西洋”明星[露絲·布朗、拉弗恩·貝克、漂流者、查克·威利斯]的唱片保持了這種對“跳躍布魯斯”的偏愛，但他們的節奏、回帖和歌詞開始向後來的搖滾樂靠攏。事實上，貝克和威利斯也是依靠壹些年輕聽眾喜愛的歌曲，在早期搖滾樂領域取得了不同程度的成功。從20世紀50年代早期到中期，搖滾樂開始出現。壹些和r &；b明顯有不同類型的音樂，它們以各自的力量對流行音樂文化施加著巨大的影響。如“Doo Wop”樂隊、“電聲藍調”、“新奧爾良R&等；b”等等。這些音樂在搖滾樂歷史上的影響甚至超過了更早更流行的爵士樂。乙.
相當壹部分藝術家不僅在50年代幸存下來，還出版了R & amp；b記錄已經成功並被認可。艾克·特納，艾弗·喬·亨特，法耶·亞當斯，懷諾娜·卡爾，大媽媽桑頓，大梅貝爾，這些人都不是純藍調。而藍調歌手Bobby“Blue”Bland、Junior Puckle、Little Milton則將“電音藍調”與“靈魂音樂”結合在壹起，不能稱之為純粹的搖滾歌手。偶爾，像約翰尼·奧蒂斯、“Screamin'Jay Hawkins”和威爾伯特·哈裏森這樣的歌手能夠在搖滾樂觀眾中贏得認可，也是通過他們最受歡迎和易懂的歌曲。哈裏森的《堪薩斯城》是壹首流行的“跳躍布魯斯”歌曲。
20世紀50年代的壹些歌手開始制作R & amp；b比以前更受歡迎——加入了明顯的“福音音樂”和教會音樂元素。今天，我們仍然記得那些偉大的名字:雷·查爾斯、詹姆斯·布朗、傑基·威爾遜、小威利·約翰、約翰尼·埃斯、傑西·貝爾文和克萊德·麥克哈特。作為靈魂樂的教父，他們中的壹些人後來成為了60年代靈魂樂的巨星，比如查爾斯和布朗。還有壹些人，如麥克費特和約翰，因為時代的變遷和無法解決的個人問題退出了音樂舞臺。
對於R&來說；b、紀念意義和今天給予的遲來的歡呼都改變不了它當初面臨的困境——早期的R & amp；b唱片很難被所有新聽眾接受。和R & amp在20世紀40和50年代；歌手和唱片公司更註重娛樂，而不是推廣多樣化的藝術作品..所以在R&中；在B的全盛時期，人們聽到的歌曲都是由相似的和聲、遞進式調式和編曲組成的。然而，盡管R & amp；b從誕生到現在變化很大，但仍然保留了搖滾音樂、靈魂樂、說唱音樂中極其重要的壹部分，在音樂背後發揮作用。
推薦記錄:
1.各種藝術家《藍調大師V:跳藍調經典》(rhino)。
最佳“跳躍布魯斯”選集包括大傑伊·麥克尼利、懷諾妮·哈裏斯、蒂尼·布拉德肖和大喬·特納的作品。“藍調大師”系列的另壹張專輯《More Jump Blues Classics》也有著同樣的高水準。
2.各種藝術家《藍調大師14:更多跳藍調》(藍調大師卷14:更多跳藍調)(犀牛)。
和上面的記錄是壹個水平。其中包括路易斯·喬丹、大梅貝爾、法耶·亞當斯等人的作品。
3.大喬·特納，大，壞，藍:肥仔喬·特納作品選(大，壞&；藍色:大喬·特納選集(犀牛)
就像特納自己的經歷壹樣，這張三件套專輯包含了從“大樂隊”的爵士時代到搖滾樂誕生的幾十年的作品。它見證了R &；b的發展歷史。
4.路易·喬丹的最佳路易·喬丹(MCA)。
從20世紀40年代到50年代，喬丹錄制了許多流行歌曲。沒有壹張專輯能囊括所有的好歌，但這張精選是最好的。
5.各種藝術家"大西洋節奏藍調1-4系列"(大西洋節奏& amp布魯斯Vol.1-4)(大西洋)
《大西洋》是壹部現代R & ampb貢獻最大的唱片公司。這是到1974為止出版的壹套七張專輯中的部分——包括1947-1962 R &；b向搖滾音樂全面轉型前的代表歌曲。
6.收藏(各種藝人)《專業的故事》(專業)
“專業”也是著名的早期R & amp；b和搖滾音樂獨立唱片。這套五件套唱片對於“非專業”人士來說確實很多，但毫無疑問裏面有很棒的藝術家和作品。它甚至展出了早期搖滾明星小理查德和拉裏·威廉姆斯的作品。
7.露絲·布朗的節奏搖滾:最佳露絲·布朗(犀牛)
《大西洋》早期的名聲很大程度上是由這位歌手建立起來的。這張唱片收錄了她在20世紀50年代所有的好歌。
8.拉弗恩·貝克的靈魂在燃燒:拉弗恩·貝克的最佳作品(犀牛)
R&中的壹個；在搖滾樂的發展過程中起了重要作用的歌手。
9.《漂泊者》、《讓布吉伍吉搖滾:最佳精選(1953-1958)》【讓布吉伍吉滾:偉大的測試點擊量(1953-1958)】
《漂流者》的第壹張唱片，克萊德·麥克哈特也參與了其中。事實上，他們也可以被稱為“街頭藍調”樂隊，但他們仍然有強烈的“跳藍調”的痕跡。
10.我喜歡艾克:艾克·特納(犀牛)的精華。
這張專輯裏的歌大部分都是50年代的，是R &；b和“電聲藍調”。
11.雷·查爾斯靈魂的誕生)(犀牛)
壹套三張裝的唱片包括查爾斯20世紀50年代在大西洋的作品。
12.約翰尼·奧蒂斯《首都歲月》(國會大廈)
作為樂隊領隊和音樂人，奧蒂斯在《R & amp；b領域取得了巨大的成功。他在20世紀50年代末也在搖滾樂方面取得了成就。這張唱片是他精選的歌曲。
13.小威利·約翰的狂熱:小威利·約翰(犀牛)精選集
最通用的r & amp；最好的歌手之壹，他對詹姆斯·布朗有很大的影響。
14.克萊德·麥克哈特的深海球:最佳克萊德·麥克哈特(犀牛)
這是他在50年代末離開《漂流》後創作的最好的歌曲。
15.詹姆斯·布朗的《革命的根源》(PolyGram)。
壹套兩張記錄，用於追溯歷史，包括1956-1964的布朗之歌。它把我們從“硬核R & amp；b”(硬核研發；b)被帶到了“放克”誕生的邊緣。
布魯斯音樂
藍調
布魯斯(也譯作藍調)是壹種以五聲音階為基礎的聲樂和器樂，它的另壹個特點是特殊的和聲。布魯斯起源於過去美國黑人奴隸的贊美詩、聖歌、勞動歌、喊叫聲和頌歌。布魯斯中使用的“布魯斯之聲”和戚穎的演唱風格顯示了它的西非起源。布魯斯對美國和西方流行音樂有很大的影響。拉格泰姆音樂、爵士樂、大樂隊、節奏布魯斯、搖滾樂、鄉村音樂和普通的流行歌曲，甚至現代古典音樂都含有布魯斯元素或由布魯斯發展而來。這個詞常用來形容詩歌中的猶豫。
藍調(英文:blue，blue)和“藍魔”的意思壹樣，都是低調、悲傷、憂郁的意思。早在1798，喬治·科爾曼就寫過壹部鬧劇，叫做《藍魔，壹場鬧劇》。在19世紀，這個詞被用來表示震顫、譫妄和警察。這個詞在非裔美國人音樂中的應用可能更古老。1912孟菲斯威廉·克裏斯多夫·漢迪的《孟菲斯藍調》是這個詞在音樂中最早的書面記錄。
說到現代音樂，就不能不談布魯斯。它是生活在美國下層社會的黑人創造的壹種音樂風格。它起源於20世紀初的密西西比河三角洲，在早期，它是人們勞動的聖歌。後來逐漸影響了世界流行音樂的發展軌跡。現在妳對搖滾樂和節奏藍調這樣的詞很熟悉了吧？這兩種音樂所用的藍調音階，是妳在學校音樂課上學不到的，但每天走在街上，音像店傳來的聲音，早已讓它深入妳的內心。......
20世紀20年代，布魯斯以其獨特的歌詞、和諧的節奏、憂郁的旋律迎合了壹部分人，逐漸興起。布魯斯音樂包含了很多詩意的語言，反復重復，然後以壹句決定性的臺詞結束。旋律以和弦為基礎，以I、IV、V三個和弦為主和弦，以12小節為模式。旋律中，主旋律上的第三、第五、第七個音符降低了壹個半音，讓人感到苦樂參半，感傷。
雖然在藍調音樂中主唱是重點，但吉他為主的樂器即興創作也非常精彩。音樂家可以超越和弦的界限，隨心所欲地演奏。除了憂郁的旋律，還包括刀的刮擦聲和滑塊的使用，以及模仿主唱的哼唱聲。埃裏克·克萊普頓樂隊是布魯斯音樂普及過程中壹位成功的音樂家和詞曲作者。如果妳沒聽說過，現在就開始感受吧！
時至今日，布魯斯音樂已經被納入主流音樂，它的很多元素也更多的應用到了搖滾音樂和流行音樂中。然而，傳統的布魯斯音樂仍然有很大的力量。這壹領域的音樂家包括B.B .金、約翰·李·胡克、埃塔·貝克、朱尼爾·威爾斯和巴迪·蓋伊。
爵士樂
爵士樂是在布魯斯和拉格泰姆的基礎上，融合了壹些白人音樂元素，以小型管樂隊的形式即興演奏而逐漸形成的。
爵士樂的發源地——新奧爾良
爵士樂誕生於19年末和20世紀初的美國南部城市新奧爾良。19世紀初，法國人統治了新奧爾良。由於管理松散，許多非洲黑人從美國南部的奴隸主手中逃到新奧爾良，享受“自由黑人”的地位。由於婚姻自由，非洲黑人和法國人的結合中出現了大量的混血黑人。quot克裏奧爾語”。到19年底，除了白人和黑人，新奧爾良其余的居民都是克裏奧爾混血黑人。內戰前，克裏奧爾人享有與白人同等的地位，接受了良好的教育，包括古典音樂教育。南北戰爭後，由於新種族隔離法的實施，他們被迫與黑人交往。黑非洲音樂傳統和克裏奧爾古典音樂訓練的結合，對爵士樂的產生起到了很好的作用。
新奧爾良對黑人壹直采取比較寬容的態度。當其他城市歧視黑人，壓制黑人音樂發展的時候，新奧爾良仍然允許黑人在街頭演奏和唱歌謀生。新奧爾良也是當時美國唯壹實行公開賣淫制度的城市。許多妓院、賭場和娛樂場所為黑人提供了很多謀生的機會。另外，新奧爾良曾經是美國管樂器的生產中心。管樂器非常便宜，幾乎任何壹個黑人都很容易買到二手的，所以小型管樂隊隨處可見。正因為這些原因，爵士樂在新奧爾良得到了充分的醞釀和迅速的發展。
雖然現代唱片業有時會將爵士樂分為傳統爵士樂和現代爵士樂，但傳統爵士樂是指使用4/4拍行進樂隊演奏相關作品的爵士樂，而現代爵士樂是指使用貝斯演奏舞曲的爵士樂。這種區分有時似乎是毋庸置疑的。如果以這個標準來衡量，幾乎無法判斷肯尼·金是否比希爾·泰勒的音樂更屬於現代爵士樂。事實上，傳統和現代這兩個相關的概念對爵士樂的類型劃分並不準確，這就造成了壹些既有現代風格又有傳統風格的優秀作品無法歸類的問題，因為爵士樂在過去100年的發展是連續的。各種風格和流派也有其相互關系，壹般可分為以下19種風格:
拉格泰姆(爵士拉格泰姆)
新奧爾良(新奧爾良爵士)
標準(主流爵士樂)
古典音樂(古典爵士樂)
迪克西蘭(迪克西蘭爵士)
酷爵士樂(冷爵士樂或西海岸爵士樂)
大樂隊(大樂隊爵士樂)
搖擺(搖擺爵士)
波普爵士
拉丁語(拉丁爵士樂)
巴西爵士樂(巴西爵士樂)
前衛(前衛爵士樂)
後波普或主流爵士樂(後流行爵士樂或現代主流爵士樂)
第三流(第三流派的爵士樂)
硬波普(硬波普爵士樂)
自由爵士樂(自由爵士樂)
融合(融合爵士樂)
交叉爵士樂(交叉風格爵士樂)
聲樂爵士樂(聲樂爵士樂)
巖石
巖石
歷史上第壹首打上搖滾烙印的作品是美國白人音樂家比爾·哈利在20世紀50年代中期錄制的《夜以繼日的搖滾》。那時，比爾·哈利穿著筆挺的西裝，打著領帶，頭發油光發亮。如果這樣的人走在街上或者站在現在的舞臺上唱這首歌，沒有人會認為他唱的是搖滾，但歷史卻將其定義為第壹首搖滾作品。這並不奇怪。原來人們還是認為天是圓的，地是方的。原來人們還認為地球是宇宙的中心！我們可以把它看作是時代開的壹個玩笑。這樣看來，其實任何壹個具體的定義看起來都是相對的，因為時代在變，人的認知領域也在不斷擴展變化。
世界上最難的事情就是給壹個東西下定義，因為需要準確簡潔的描述。世界上最容易的事情就是定義壹個東西，因為妳可以用妳自己的理解和認識方式給出壹個概念。所以很久以前，在中國人的傳統意識裏，壹頭長發，壹件皮夾克就是搖滾。然後有人覺得搖滾就是吉他上的獨奏，貝司上的低音，架子鼓上的節奏。現在有人說搖滾是壹種精神，也有人說這些都是錯的。於是帶著越來越多的疑惑，我開始翻閱相關著作和資料，找到了壹些所謂的巖石專家給出的如下定義:
格裏爾·馬庫斯是著名搖滾經典《神秘列車》的作者。他認為搖滾無非是“壹種美國文化”。比如貓王，無非是“戲劇化地表現作為壹個美國人的感覺，生動地表達美國生活的意義、價值和利弊”。
卡爾·貝爾認為搖滾是“民間藝術”，是他的《搖滾故事》中壹種下意識的俚語表達。
查理·列特稱搖滾為“城市之聲”，認為這是城市青少年創造的壹種新的音樂吶喊。
喬納森·艾森稱搖滾是“對西方文化的虛偽反叛”...壹種深刻的顛覆形式”。
戴夫·哈克在《物有所值》中用馬克思主義階級鬥爭理論分析搖滾，認為是“工人階級文化”。而保羅·約翰遜則在《新政治家》中高度重視搖滾，將其作為資產階級的陰謀，目的是拉攏潛在的革命者，使他們“沈迷其中而麻木不仁，懶惰而脫離現實”。
理查德·戈爾茨坦在《搖滾的詩歌》中認為，搖滾最重要的特征仍然是對青春活力的肆意揮霍...
說到這裏，我想起了美國黑人音樂家查克·貝裏給搖滾音樂下的定義，也是約翰尼B的作品，好在50年代初。它講述了壹個年輕吉他手成功的故事。它以敘事的方式給搖滾樂增添了壹種非常吸引人的光環。搖滾樂可以使壹個普通人成功和輝煌。這個普通人可以沒有樂理或者音樂方面的知識，只要他有理想，只要他勇敢地唱出自己的想法，只要他願意。另外，特別值得壹提的是，在美國向外星生物發射的壹艘宇宙飛船上，這首歌也被作為人類文明的精華刻錄在光盤上，以表達地球人的文明成就。
在眾多類型的搖滾中，重金屬在音量、陽剛之氣和戲劇風格上是最極端的。重金屬音的流派有很多種，但都是想盡辦法把響亮的效果、失真的吉他彈奏(通常是彈奏重復的段落)和簡單重擊的旋律很好的理解。重金屬從存在的那壹天起就備受爭議——批評家們傳統上攻擊刻意吸引大多數青少年的戲劇效果，壹些保守團體經常抗議他們覺得包含有害和邪惡含義的歌詞。盡管困難重重，但重金屬從誕生之日起就已經成為壹種穩定而流行的搖滾音樂形式，它有足夠的能力適應這個時期，仍然保持其完美而未被破壞的核心訴求。盡管美國的頻道選擇形式很叛逆，但重金屬在很大程度上仍是英國的創作。重金屬的種子最初是在20世紀60年代的英國布魯斯運動中播下的，尤其是那些發現很難適應美國布魯斯音樂的樂隊。這種節奏甚至更不規則，這增強了電子樂器的使用，並成為壹個更重要的特征，特別是通過創新的音樂家，如奇想樂隊，世界衛生組織，吉米·亨德裏克斯，奶油和傑夫·貝克集團。然而，正如證據所證明的那樣，最初真正的金屬樂隊是齊柏林飛船。Zep壹開始演奏布魯斯比誰都重，也比誰都吵，通過獲取很多音樂源，很快就創造出了以大尺度、有質感的音樂為代表的重金屬搖滾。不太精致但可能更有影響力的是黑色安息日，其黑暗，沈悶的吉他重復創造了壹個想象中的世界末日，充滿了毒品，死亡和超自然的混亂。接下來，這種風格被Zep和Sabbath拋棄了。20世紀70年代，許多美國樂隊將重金屬轉變成更容易接受的形式。Alice Ccooper和Kiss令人難忘的曲調和殘酷的舞臺表演；低俗的布吉舞曲；史密斯飛船。範·海倫華而不實的吉他介紹和狂熱的派對搖滾。20世紀70年代末，壹些隱藏的英國樂隊號成為英國新壹波重金屬(包括猶大牧師、鐵娘子和摩托頭樂隊)，他們開始更快地演奏金屬，傾斜並使用更多的恐嚇。他們的出現對20世紀80年代的美國新金屬——鞭撻金屬產生了影響。這個新事物被定性為金屬新主流的突破，它的出現以Def Leppards Pyromania為代表。金屬是80年代輝煌時期最享受的。由於大量glammed-up流行金屬樂隊，除了thrash metal復雜重復的激烈表演外，有時還會融入壹些柔和的聲樂作品。像Metallica和Megadeth這樣的鞭打樂隊形成了狂熱的粉絲，並在車庫裏脫下流行的金屬外衣時將他們推向主流。20世紀90年代的主流金屬以壹種名為替代金屬的新混合物為中心，這種混合物(以其有效的商業形式)通過嘻哈音樂和工業繁榮結合了研磨垃圾和垃圾的影響。在此期間，地下以更粗糙和更冷的風格成長，產生了兩種類似的風格，叫做死亡金屬和黑暗金屬。他們創造了壹些金屬世界從未展示過的最重要的研磨、強烈和快速的音樂和圖形震撼戰術。
替代金屬(替代金屬)
在最初階段，另類金屬形成了自己的風格，對音樂有著不尋常的敏感度，可以直接分類。重金屬是這類音樂的核心，但這些樂隊太不正規，對地下的thrash metal來說影響太不拘壹格，所以他們的主要粉絲都是喜歡重金屬吉他搖滾的人。然而，在車庫裏，音樂有助於豐富替代金屬，並獲得了大量觀眾。特別是當更激進的樂隊逐漸研究他們的音色時，另類金屬開始成為90年代重金屬中最受歡迎的風格。當它表現出幾乎最少的重金屬分類時，它的形式與80年代初的另類金屬有著天壤之別，與此同時，大部分幸存的硬核朋克樂隊都轉向了金屬領域的潮流，這推動了地下重金屬吉他搖滾樂隊到別處尋找靈感。最早的重金屬風格的另類金屬可分為進步搖滾()、車庫朋克(聲音花園、從眾矯正)、噪音搖滾(耶穌蜥蜴、頭盔)、狂克(信仰不再、活色生香)、說唱(信仰不再、生物危害)、工業(牧師、九寸釘樂隊)、迷幻音樂(聲音花園樂隊、怪物磁鐵)、甚至世界音樂(後來的Sepultura)。這壹切的演變並不是發生在某個特定的場景，而是人們越來越渴望嘗試已經形成的越來越依賴樂器的純粹演奏形式。其中壹些樂隊最終在大眾中獲得了巨大的影響力，尤其是通過巡回演出，他們也為另類搖滾奠定了基礎，另類搖滾在1993-94逐漸興起，形成了以Rage Against the Machine和Korn為代表的說唱金屬，以Tool為代表的不和諧音樂，以White Zombie為代表的重金屬音樂。。。。以及以九寸釘樂隊為代表的大眾化突破。在剩下的90年代，這些樂隊將成為聲音制作和另類金屬類型風格中最有影響力的力量，加上潘迪拉不同於任何鞭撻金屬樂隊的厚重和溶解的即興風格。像許多其他金屬樂隊壹樣，潘迪拉嚴肅、冷酷、內斂，但他們展示了它的陽剛之氣。90年代中後期，大多數新的另類金屬樂隊開始演奏壹種混合了單曲鞭笞、說唱、工業、硬核朋克和車庫的風格。這種新的聲音包括更多的grindcore功能和暴力攻擊，而不是鉤子或令人難忘的重復片段，因此它更多地依賴錄音室錄音來完成它的力量；但它抓住了青少年隱藏的主流金屬所代表的陽剛之氣，從而成為壹種商業崇拜。科恩，瑪麗蓮·曼森和Limp Bizkit，有時伴隨著aggro-matal，nu-metal，或不正確地)硬核內容，是這個新運動中最大的明星，在這個十年結束時，許多新的樂隊開始表演成人暴力的風格(考慮到頭發態度的替代金屬暴力)類似於20世紀80年代末的微金屬分支。
獨立搖滾(獨立搖滾)
獨立搖滾(indie rock)這個名字來源於“獨立”這個詞，代表了按照自己樂隊的思路制作和發行唱片時份額小、預算低的特點。雖然大部分獨立種類的音樂都是以主公司的品牌進入市場，占據銷售份額，但是他們的決策過程還是按照自己的思路。同樣，獨立搖滾可以自由探索聲音、情感、歌詞的主題，而不迎合大眾的口味——大眾和個人口味的利潤是不壹樣的(雖然這麽做，畢竟還是想留在商界)。它深深植根於80年代的美國地下和另類搖滾，雖然地下搖滾音樂是從那時開始的？/